Meisterwerke der Comickunst

Lektionen der Liebe

2011-04-23T19:11:00.000+02:00

"Liebes Tagebuch, es ist wieder so weit. Der Valentinstag naht und ich werde hoffnungslos romantisch!" In der Folge versucht Daisy, den nicht besonders motivierten Donald seine romantische Ader mithilfe des bekannten Schriftstellers und Radiomoderatoren Nils Nutella entdecken zu lassen - aber am entscheidenden Tag kommt alles irgendwie anders...

Kari Korhonen ist ein Phänom, gelingt es ihm doch immer wieder, aus den altbekannten Figuren aus Entenhausen Neues herauszuholen und unerzählte Geschichten zu erzählen. Damit steht er unter seinen Autorenkollegen bei Egmont ziemlich alleine da; denn wirklich gute Autoren sind selten. Hier nimmt er auf zwölf Seiten die Beziehung zwischen Daisy und Donald auseinander und fügt sie wieder zusammen.

Das besondere daran ist die Form, in der er erzählt. Natürlich gab es immer schon Storys in denen die verzweifelte Daisy versucht hat, ihrem Verlobten Romantik einzubläuen, aber ohne geniale Einfälle blieben das nur plumpe Versuche seitens der Autoren, ein bewährtes Muster zu kopieren. Was läge also näher, als Daisy die Geschichte selbst erzählen zu lassen? Diese Form kennt man als "Geschichten aus Daisys Tagebuch", davon gibt es schon einen ganzen Haufen aus den unterschiedlichsten Stilrichtungen. Leider verleiten die Tagebucheinträge allzu leicht zu schalen, unfairen Witzen auf Kosten von sonst schon geschädigten Personen. Aber wenn man es richtig anstellt...man muss nur die Stärken der Tagebuch-Geschichten aufspüren und anwenden! Hier liegt ein Comic vor, der sehr stark von seinem literarischen Rahmen geprägt ist, will heissen, er ähnelt mehr einem Buch als man erwarten könnte. Besonders in den Schlüsselmomenten setzt Korhonen ganz auf Daisys Nacherzählung, statt gross mit Dialogen zu arbeiten. Sowieso sind die ziemlich zurückgenommen, womit das Augenmerk stärker auf das Bild gelenkt wird, dass die Handlung ausdrückt und vom Text höchstens noch unterstrichen wird. Auch die einzelnen Panels sind geschickt gemacht, sie sind nicht überladen sondern reduziert auf das Wesentliche, womit die einzelnen Regungen besser zur Geltung kommen. Das alles führt dazu, dass die Charaktere glaubwürdig erscheinen und sich einem auf ungeahnte Weise nähern. Insgesamt ergibt das ein absolut stimmiges Porträt, das zum schmunzeln verführt und voller kleiner überraschender und anrührender Momente steckt.

Und mehr kann man dazu gar nicht sagen. Glücklicherweise hat Korhonen seine Geschichte selbst gezeichnet, wer weiss, was aus dem Comic geworden wäre, wenn sie ein anderer illustriert hätte? Wohl kaum eine so einzigartige Geschichte wie diese. Sie unterscheidet sich im Stil von all den gewöhnlichen Storys und gerade das ist es ja, was die Meister von den anderen Künstlern unterscheidet: sie pflegen einen eigenen Stil.

aus: MM XXL 2, November 2008

Das Geheimnis des Alten Ben

2011-04-08T20:05:00.000+02:00

Minni besucht gemeinsam mit Micky nach Jahren ihre Tante Walli und ihren Onkel Elritz in Brassenbach, einem idyllischen Angelort. Allüberall präsent ist die Legende um den Alten Ben, einen riesigen Hecht, den Elritz als einziger je gesehen haben will. Dann steigt das grosse Wettangeln...

Es gibt Geschichten, die punkten gar nicht durch aufwendige oder durchdachte Plots, sondern einfach durch Charme, und dieses Talent besitzen nicht nur die charismatischen Künstler, sondern auch weniger bekannte Köpfe. Dazu braucht es nicht viel, aber kommen einmal einige der Ingredenzien zusammen, kann schnell ein unspektakulärer, liebevoller Comic entstehen.

Liebevoll ist gerade das richtige Stichwort. Dazu gehören in diesem Beispiel der Ort der Handlung und der zeitliche Hintergrund. Minni besucht nach langer Zeit wieder ihre Tante und ihren Onkel, bei denen sie als kleines Mädchen die Sommer verbracht hat, in einem kleinen Nest, dessen Leben ganz auf den See ausgerichtet ist, an dem es liegt. Minni trifft allenthalben auf alte Bekannte, Orte und Geschehnisse aus ihrer Erinnerung - klar, dass das eine besondere Atmosphäre erzeugt, den Zauber von Kindheitserinnerungen, den wohl jeder kennt. All diese Aspekte werden porträtiert, nahtlos aneinandergereit und darin die tatsächliche Geschichte eingebettet. Mit dreissig Seiten nicht gerade besonders lang, entsteht genau aus diesen Gründen dennoch eine erstaunlich dichte Atmosphäre. Man spielt mit verschiedenen Motiven, seien es jetzt die lokalen Eigenheiten und Örtlichkeiten, oder die Handlungselemente und Twists. Das alles vermengt sorgt für ein lockeres Leseerlebnis.

Der Augenmerk liegt besonders auf den Figuren. Minni kennt den Ort Brassenbach noch gut aus ihrer Kindheit, aber Micky muss erst einmal darin eingeführt werden. Er muss den fish-out-of-water-Typus einnehmen, wo er der einzige Fremdkörper ist und diese neue Welt mit ihren Bewohnern und Regeln erst einmal kennen lernen muss. Zwar bildet Minni den Rahmen der Geschichte - sie ist der Grund für den Besuch, sie kehrt zurück an einen ihr bekannten Ort - aber dort nimmt dann Micky wieder eine recht grosse Rolle ein. Anders als in üblichen Geschichten muss er sich beweisen in seinem neuen Umfeld; er gerät in Situationen und an Leute, die er noch nicht einschätzen kann, während Minni im vielleicht einmal mit Rat zur Seite steht. Von der Charakterzeichnung ist der Comic anspruchsvoller und interessanter als die meisten anderen Geschichten mit diesen Personen - Micky wird nicht oft in die Wüste geschickt, das macht dieses Szenario so ungewohnt und spannend.
Dort muss er sich dann vor allem mit Onkel Elritz herumschlagen. Hauptmotiv und Leitthematik ist das Angeln - absolut klassisch für Disney-Comics, wenn auch eher in den Vierreihern angesiedelt - und da kommt er nicht um den Onkel herum, der ihm die nötigen Kniffe zeigt, und nicht zuletzt auch die einzige Quelle für die Legende um den Alten Ben ist. Anfangs wird Micky noch mehrheitlich als Fremdkörper wahrgenommen, und er muss selber lernen, wie er sich besser einpassen kann; dabei braucht er eine Menge Glück, lässt aber auch nicht jedes Fettnäpfchen aus...das ergibt ein angenehm subtiles und mehrdimensionales Bild von der Figur, die wir so gut kennen.

Die Zeichnungen unterstreichen sehr schön die Geschehnisse. Sie tendieren öfters zu rundlichen Formen, welche die etwas verschlafene Stimmung bestens illustrieren. Viele Details laden zum schmöckern ein, beispielsweise die äusserst strubbeligen Frisuren der Mäuse. Gleichzeitig sind die Bilderfolgen schön komponiert, gemeinsam mit den sorgfältig gewählten Bildausschnitten und Perspektiven erwecken sie die Handlung zum Leben, sodass man richtig in sie eintauchen kann - keineswegs ein Selbstverständnis bei Comics, aber hier sehr gut umgesetzt. Ein Beispiel dafür mag das doppelseitige Startpanel nach dem kurzen Prolog sein, ein wundervolles Bild, wie man es selten findet; aber solch toll bebilderte und adrett choreographierte Szenen gibt es auf jeder Seite.
Eine schöne, verträumte Sommergeschichte, die von ihrer Atmosphäre und den authentischen Figuren lebt.

aus LTB Ostern 2, Februar 2010

Das verlorene Medaillon

2011-03-27T14:05:00.000+02:00

Donald und die Kinder durchwühlen den Dachboden auf der Suche nach verkaufbaren Altwaren. Dabei stossen sie auf eine alte Seefahrerkiste, aus der urplötzlich ein waschechter Matrose auftaucht: Dolf, ein früherer Duck, wurde aus dem Kopenhagen des Jahres 1719 in die Zukunft geschleudert, weil er auf der Suche nach seinem verlorenen Medaillon - man ahnt es - an Tankred Tysendrieb geraten ist. Dessen Äquivalent in der Entenhausener Gegenwart schickt nun die erweiterte Familie Duck auf eine Reise durch das Skandinavien von heute und gestern, um Dolfs Medaillon wieder ausfindig zu machen...

Nachdem zu Beginn des neuen Jahrhunderts Don Rosa das Zeichnen aufgab und auch William van Horn und Marco Rota sich keine grossen Geschichten mehr erdachten, tat sich bei Egmont erst einmal eine Lücke auf. Bis auf diese Einzelkünstler war man sich in Dänemark nicht an längere Geschichten gewohnt - so gibt es seit 2000 gerade einmal sechs Geschichten mit mehr als sechzehn Seiten, an denen nicht irgendwie grosse Namen wie Barks, Rosa, Rota, van Horn, Scarpa oder Branca beteiligt waren, wenn wir erst einmal nur von den Duck-Geschichten reden. Die Lage bei den Mauscomics sieht ähnlich aus, wobei man da von einem Normalzustand sprechen kann, da in Dänemark nie viele lange Geschichten mit Micky produziert worden waren - mit Ferioli hat man nun einen zuverlässigen Lieferanten von guten Maus- und Crossover-Comics, der erst noch im Stile Gottfredsons arbeitet.
Aber die Zeichen verdichten sich, dass Egmont sich nun wieder verstärkt auf diesen lange sträflich vernachlässigten Bereich konzentriert! Gute Zeichner hat man auch in dieser Generation, woran es fehlt, sind engagierte Autoren. Und ohne grandiose Einzelkünstler, die im Alleingang ihre Werke hervorzaubern, braucht man solche Autoren. Diese Stelle kann beispielsweise Tormod Lokling ausfüllen, an sich Redakteur in Kopenhagen, der aber in jüngerer Vergangeneit auch selbst zum Stift gegriffen hat. Er hat sich die mit 28 Seiten bisher längste dieser neuen Geschichten ausgedacht, und Arild Midthun hat sie gezeichnet.

Das Thema, um die die ganze Geschichte kreist, ist die Zeitreise. Es handelt sich aber nicht um eine einfache Zeitreise, wie sie schon öfters im Mittelpunkt gestanden hat, also nach dem bekannten Prinzip "ab in die Vergangenheit" - "Abenteuer erleben" - "wieder zurück in die Zukunft". Nein, das wäre zu einfach; diese Geschichte ist um einiges vielschichtiger. Das Hauptziel der fünf Ducks ist es ja, das verlorene Medaillon von Dolf wiederzufinden. Dafür ergeben sich allerdings verschiedene Möglichkeiten - sie beschliessen, mit Düsentriebs Zeit-Raum-GPS lieber nicht in die Vergangenheit einzutauchen, sondern in der Gegenwart des Jahres 2011 nach Hinweisen zu suchen. Also eigentlich eine Raumreise, keine Zeitreise, wobei natürlich an Anfang und Ende der Geschichte dennoch ein Zeitsprung steht, nämlich jener von Dolf. Zeitreise ist dennoch eine passende Beschreibung für diesen Comic, zwar wird nicht wörtlich in der Zeit herumgereist, dafür aber tauchen die fünf Ducks in die Zeit ihres Vorfahren ein: den grossen nordischen Krieg von 1709 bis 1719, an dem Norwegen, Schweden und Dänemark beteiligt waren. Und so suchen sie jeweils diese Orte auf, genauer gesagt die Museen in Oslo, Stockholm und Kopenhagen. Dabei erinnert sich Dolf jeweils lebensnah an seine Erlebnisse aus diesem Krieg, die dann schlussendlich zum Auffinden des Medaillons führen.

Es ist wohl kein Zufall, dass diese Geschichte so explizit in Skandinavien spielt. Diese Thematik beherrscht ansonsten ausser Rosa kaum einer, er war einer der wenigen, der seine Helden meist an reale Orte mit realen historischen Hintergründen reisen liess; im Gegensatz zu den ansonsten eher einfach und naiv aufgebauten Abenteuern, die austauschbare lokale und historische Daten benutzen, oder Orte und Personen erfinden oder diese nur blass umreissen. Es ist unheimlich erfrischend, so ein Vorgehen auch einmal bei anderen Künstlern zu sehen und wenn die es richtig tun, dann kann diese distinktive Umgebung nur bereichernd sein; denn sie hebt die Geschichte aus der Aura der Bedeutungslosigkeit und Beliebigkeit und macht sie zu etwas besonderem.

Um aber zum Ausgangspunkt zurück zu kommen: warum ausgerechnet Skandinavien? Ganz einfach: Lokling und Midthun sind beide Norweger und die Skandinavier ganz allgemein sind wohl die Leserschaft, die am meisten auf Disney-Comics steht. So wundert es gar nicht, dass in den letzten paar Jahren immer mehr Künstler aus dieser Gegend dazu gestossen sind, obwohl Skandinavien eigentlich zwar Hauptquartier von einem der beiden wichtigsten Produzenten in Sachen Entenhausen ist und eine grosse, treue Lesergemeinde hat; die eigentlichen Künstler sich aber meist aus allen möglichen anderen Regionen Europas und der Welt rekrutieren. Korhonen dürfte der bekannteste und einer der ersten Vertreter dieser neuen Generation sein, die sich jetzt ihre Lieblingsgeschichten auch selber bastelt. Andere, die noch nicht so sehr bemerkt wurden, machen einen immer grösseren Teil vorallem im Autoren-Kontingent von Egmont aus. Es kann der Produktion nur gut tun, wenn neuer Input von engagierten Leuten kommt, gut möglich, dass da die Zukunft der Vierreiher heranwächst.

Seine Chance als Redakteur hat Lokling genutzt und eine Story geschrieben, bei der der spezielle Lokalkolorit einen gewichtigen Teil ausmacht. Zeit und Ort sind genau definiert und die lokalen Eigenheiten werden für Witze missbraucht, die die nördliche Leserschaft wohl noch mehr als uns freuen dürfte: die Schweden sind quasi immer die Bösen und das aufgeklärte Völkchen von heute zeichnet Politiker mit Namen wie "Barnabas Obandito" mit ihrem Friedensnobelpreis aus und sagt Sätze wie "Ein Swede ist sdets neutral." oder "In Situationen wie dieser sdeck ich einfach meine Hände in die Tassen!". Ganz zu schweigen von den Dänen mit ihrer speziellen Bauweise, die so abstrus ist, das man sich beim lesen schon gar nicht mehr in einem Disney-Comic wähnt, so scharfzüngig sind die Verweise hier.

Auf den Punkt gebracht macht die Detailverliebtheit dieser Geschichten in allen Belangen ihren Reiz aus. Man kann sie immer und immer wieder lesen und langweilt sich dennoch nicht, weiss nicht schon Seiten im voraus, was jetzt kommt und entdeckt neue Details oder alte Eigenheiten neu. Das fängt beim Plot an - rasche Ortswechsel werden kombiniert mit lebendigen Rückblicken - und setzt sich mit dem Artwork nahtlos fort. Midthun bringt viele Details in seine Panels, behält aber immer das Wesentliche im Auge und ordnet die zahlreichen Objekte passend drum herum an. Dazu pflegt er einen eigenen Stil, der perfekt zu einer abenteuerlichen Geschichte wie dieser passt. Die Basis ist auch bei ihm der klassische Stil von Barks, man erkennt aber vielfach ganz eigene Einflüsse. Die Inszenierung ist tadellos und enthält bisweilen die benötigte Dynamik, ohne jedoch zu übertreiben oder beliebig und ziellos zu wirken. Besonders der finale Rückblick bringt das alles wunderbar zusammen, die Handlung, den historischen Hintergrund, die Action und die Charaktere. Mit dem Verzicht auf Dagobert konzentriert sich Lokling auf das Wesentliche, die Story kann sich straightforward entwickeln. Dolf ist ein zweiter Donald, aber die beiden kommen sich nicht etwa in die Quere, sondern ergänzen sich und wirken viel mehr wie Brüder, die sich schon lange kennen. Die Geschichte will auch gar nicht die Charaktere genauer ausloten, sondern vielmehr schnörkellose Unterhaltung bieten, und das gelingt ihr auf konstant hohem Niveau. Sie kann rasant erzählt über viele Seiten hinweg überzeugen. Bleibt nur noch die Hoffnung, dass Egmont das gezeigte Potenzial weiter ausnutzt!

aus TGDD 286, März 2011

Einmal im Jahr

2011-03-13T21:12:00.002+01:00

Donald verträgt seine Geburtstage nicht - als es wieder einmal so weit ist, stolpert er auf dem Dachboden auf sein Fotoalbum. Er erinnert sich an vergangene Geburtstage, während Tick, Trick und Track verzweifelt nach ihrem verschwundenen Onkel suchen...

Auch wenn es nicht gerade eine runde Zahl ist, werden Geburtstage von wichtigen Figuren jährlich in wohl mindestens einer Geschichte gewürdigt, in der eben jene Person auf irgendeine Art und Weise mit dem Thema Geburtstag konfrontiert wird. Ein Beispiel von Rota haben wir vor kurzem hier gesehen; vor mittlerweile drei Jahren hat Kari Korhonen seine Variante erzählt. Der Finne, der es besonders als Autor in den letzten Jahren zu einem der vielgelobten Shootingstars der neueren Egmont-Künstler brachte, hat hier auch selber zum Zeichenstift gegriffen.

Als reiner Autor ist es einigermassen schwierig, zu einem hohen Ansehen zu kommen, und in der Gruppe der Namen, die mit ihm in einem Zug genannt werden wenn es um die Garde der aktuell besten und interessantesten Künstler geht, die für Dänemark arbeiten, ist er der einzige, der durch seine Storys bekannt geworden ist. Seit einigen Jahren zeichnet er auch ab und an einige Geschichten, oft seine eigenen - das war schon immer ein ganz besonderes Qualitätsmerkmal, Autor und Zeichner in Personalunion heben sich rein technisch schon von der mehr oder minder gelungenen Massenproduktion ab, mit der diese Comics geschaffen werden. Aber die zeichnerische Seite ist nicht das Hauptgewicht in seiner Waagschale. Sein Artwork ist tadellos, technisch einwandfrei und pflegt einen - besonders wichtig - eigenen Stil; aber als Zeichner erreicht man eher eine Grenze, ab der man sagen kann, dass sich nichts mehr verbessern oder hinzufügen liesse, weswegen diese Seite gar keine so überragende Bedeutung hat. Wenn ein Zeichner schon gut ist, dann rundet er ein Werk noch ab oder steigert es noch ein Stück, aber ab einem bestimmten Niveau muss man auf das Artwork gar nicht mehr besonders eingehen, man kann es als gegeben betrachten, es ist auf seine Art ideal so wie es ist.

Anders verhält es sich beim Storytelling. Zeichner sind nicht nur bekannter und einprägsamer, weil sie den auf den ersten Blick auffälligeren Teil eines Werkes prägen, sondern weil sie unter bestimmten Voraussetzungen leichter ein Niveau erreichen, ab dem man sie als besonders oder bemerkenswert errachten kann. Autoren haben es da schwieriger. Es ist nicht leicht, einen besonderen Plot abzuliefern, und das gleich dutzendfach, es ist nicht so leicht wie für die Zeichner, einen Stil zu bilden, in Erinnerung zu bleiben. Es braucht schon mehr, um sich von der Masse der Produzenten abzuheben und zu einem Merkmal für Qualität zu avancieren. Und, man hat schon erraten, auf was es hinausläuft: Korhonen ist so einer. Genauer gesagt der einzige unter den aktuellen Autoren, oder mindestens der stärkste. Und auf die Geschichte der dänischen Produktion ausgeweitet möglicherweise sogar der einzige überhaupt, lässt man die Solokünstler (Rosa, van Horn, Rota) weg. Aber das lässt sich vielleicht auch erst in zehn, zwanzig Jahren sagen, vielleicht hat die zeitliche Distanz bis dann all die Lobhudeleien wieder überwachsen und Korhonen geht als ein bemerkenswerter Autor in die Annalen ein, und nicht als überragender Fixstern. Würde er sich in Zukunft noch stärker oder sogar ausschliesslich auf die Soloarbeit konzentrieren, würden die Chancen auf jeden Fall wachsen. Denn an herausragenden Solokünstlern fehlt es Egmont in dieser Generation etwas, und somit auch an Namen, die auch in einiger Zeit noch im selben Atemzug mit ihren Vorbildern früherer Generationen genannt werden können. Aber für einen Solokünstler braucht es nicht nur nur mehr Fähigkeiten, diese Arbeitsweise dürfte auch weniger der Produktion beim Verlag entsprechen, wo es weitaus einfacher ist, wenn ein Autor am Fliessband Storys schreiben kann und weiss, dass sie einem Zeichner zugeteilt werden und ein Zeichner am Fliessband Storys zeichnen kann und weiss, dass welche für ihn bereitliegen.

Ungeachtet dieser Spekulationen hat Korhonen bereits exzellente Arbeiten abgeliefert, und auch diese sticht hervor. Die Geschichte sprüht vor Warmherzigkeit, und das gehört ja wohl zu einem Jubiläum, aber selbstverständlich ohne langweilig oder kitschig zu sein. Das Fundament legt die Idee, Donald seine alten Geburtstage durchdenken zu lassen. Er ist ein wahrer Geburtstagsmuffel - schliesslich erinnert ihn dieser Tag höchstens daran, dass er wieder ein Jahr älter geworden ist, und das ist hier und heute meist keine Leistung mehr und macht die Institution eines Geburtstages irgendwie an sich schon lächerlich. Der ultrasarkastische Originaltitel "Another One For The Album" zeigt das deutlich. Dennoch erinnert er sich wohlig schmunzelnd mit dem Fotoalbum in der Hand an die vergangenen Male, und es gibt tatsächlich einen Grund für ihn (und das gilt natürlich für uns alle!), sich dennoch an seinem Geburtstag zu freuen: das ist die ehrliche Freundschaft seines Umfeldes, etwas greif- und erlebbares, das Bedeutung hat und keine abstrakte Zahl ist. Man könnte schliesslich an jedem möglichen Tag Geburtstag feiern, wer erinnert sich schon an seine Geburt...
Zum besonderen Verdienst Korhonens gehört auch die Art und Weise der Darstellung dieser Ereignisse. Er zeichnet klar und pointiert, nicht überladen, sondern versteht es wie wenige, in jedem Panel die jeweilige Aussage des dort geschilderten Vorganges genau zu illustrieren. Besonders die wortarmen Bilder mit einem einzigen Satz sind dadurch stark und lassen den Leser auf den Boden kommen. Das mag wie ein unscheinbares, übertrieben dargestelltes Detail erscheinen, macht aber genau den Unterschied aus zwischen dieser Geschichte und einem normalen Comic: man ist viel näher dabei.

In dieser Geschichte kommen oft Bilder mit traurigen Gestalten vor. Sie sitzen oder stehen da, leicht nach vorne gebeugt, der Blick nach oben oder halb verschlossen, die ganze Kontur wie ein kleiner, in sich gekrümmter Sack, hinter ihnen einen Schatten. Man kann die Situation kaum passender und schöner zeigen. Auf diese Art wird jeweils Donald von seinem Umfeld an seinen Geburtstagen wahrgenommen, dabei zeigt die Parallelmontage zwischen Donalds Erinnerung und den Anekdoten seiner jeweiligen Betreuer genau, was schon weiter oben erwähnt wurde: was sein Glück und seine Zufriedenheit an diesen speziellen Tagen ausmacht, die so sehr zum Nachdenken über sich selbst anregen, ist der Kontakt mit den Menschen, die er gut kennt. Und zu dieser Erkenntniss kommt Donald an jedem Geburtstag, auch wenn das eben jene Personen nicht immer wirklich direkt mitbekommen...

aus TGDD Spezial 13, April 2009

Familiengeheimnisse

2011-02-26T23:02:00.001+01:00

Donald wird von seinem Onkel an dessen Anwesen am abgelegenen Mummelsee beordert. Dort suchen sie zu fünft nach Onkel Dietram, der mit fünf Zigaretten und einem Kanu auf dem kleinen See spurlos verschwunden ist. Und jedes mal wenn ein weiterer Stummel auftaucht, fällt Dagobert dem Wahnsinn anheim...

Wenige Autoren dichten in ihren Werken neue, wiederkehrende Figuren hinzu - wenn, dann aber meistens mit Erfolg, mindestens auf Seiten der Qualität. Rosas Schwarzer Ritter ist so ein Beispiel, oder Castys Tabea Trifftig, und die Figur des Onkel Dietram von William van Horn reiht sich nahtlos da ein. Diese Charaktere mögen zwar nicht erfolgreich sein in dem Sinne, dass sie von anderen Künstlern aufgegriffen werden oder sogar zu einem mehr oder minder festen Bestandteil des Universums werden, aber das braucht es vielleicht auch gar nicht. Ohnehin ist dieses Kunststück seit den Zeiten von Barks nur ganz wenigen Figuren gelungen, die bekanntesten Beispiele sind sicher Phantomias und Gitta Gans, auch Klaas Klever könnte man halbwegs dazuzählen. Aber auch diese beschränken sich vornehmlich auf Italien, wobei man also nicht von einer festen globalen Verankerung im Universum der Disney-Comics sprechen kann - bestimmt auch ein Zeichen dafür, dass eine Erweiterung der Charakter-Palette nicht notwendig ist; mit den Figuren von Barks lässt sich hervorragend arbeiten, und eine unnötige Überbevölkerung ist ja auch nicht das Ziel. Nichtsdestotrotz sind solche behutsamen Erweiterungen bisweilen sehr interessant, und dass sie nur von ihrem Erschaffer verwendet werden, reicht auch vollkommen aus: die Figur bekommt eine sehr persönliche und unverwechselbare Note, da sie nicht inflationär benutzt und von mehreren Stilen geprägt wird. Vorallem bleibt sie immer noch etwas besonderes, wenn ihre Auftritte überschaubar sind. Sie gehört nicht zum Standardrepertoire, ihr Auftauchen bedeutet noch immer etwas aussergewöhnliches. Es entsteht quasi ein Mikrokosmos, um diese Figur herum, die allein von einem Autoren verwendet wird.

Dieses Beispiel ist die dritte von heute 15 vorhandenen Geschichten mit Dietram Duck, und die erste von zwei längeren Geschichten. In den beiden ersten Comics, Mitte der 90er, wurde Dietram von van Horn eingeführt und charakterisiert. Die Familie Duck hat ihn als einen der zahllosen Onkel kennengelernt und noch bevor er dem Leser zum ersten mal vorgeführt wird, bekommt man von den ächzenden und stöhnenden Ducks einen Eindruck von ihm. Dietram ist spannungsgeladener Charakter. Man kann ihm mit einem Wort beschreiben: dreist. Er bewegt sich nicht gerne und liebt gutes Essen, aber exzessiver als Donald - und vorallem kümmert er sich einen Dreck um seine Verwandten. Die sind für ihn quasi Erfüllungsgehilfen seiner Bedürfnisse. Das ergibt enorm viel Reibungsfläche und macht ihn auch unverwechselbar. Er kennt keine Trauer oder Reue, er ist nie schlecht drauf; nicht dass er kriminelle Energien Besitz oder Pläne schmiedet, dafür ist er sich zu Schade. Vielmehr lässt er sich treiben und genauso begegnen wir ihm im Prolog dieser Geschichte. In wenigen Worten und einer filmischen Szenerie wird er wieder vorgestellt, dann begegnen wir ihm für die nächsten elf Seiten nicht mehr.

Erzählt wird stattdessen, wie Dagobert Donald und die Kinder aufs Land ruft, um nach dem Davongetriebenen zu suchen (eingeleitet durch ein denkwürdiges Auftaktpanel à la Barks-Tenpager). Ihnen ist nicht wirklich klar, warum Dagobert so versessen nach ihm sucht, immer wieder fallen zynische Sprüche, schliesslich hat niemand gerne Dietram um sich. Aber dennoch ist auch ihnen klar, dass sie ihn nicht einfach vermisst belassen können, was für Beweggründe Dagobert auch immer haben mag - man ist ja kein Unmensch. Dabei wird die Beziehung zu Dietram, dieser mehr als schwierigen Person, sehr subtil gestaltet. Bei van Horn ist kein Platz für Rührseligkeiten, es gibt keinesfalls eine Art Versöhnungs-Stimmung in der Familie. Dafür ist Dietram einfach nicht die richtige Person, und seine Verwandten wissen das natürlich auch. Hier funktioniert alles sehr viel pragmatischer.

Enorm lesenswert machen diesen Comic - neben dem interessanten Figurenpersonal - das untrügliche Gespür des Künstlers für Spannung und Atmosphäre, verbunden mit seinen Zeichnungen. Und auch die Übersetzung von Peter "Daibi" Daibenzeiher trägt sehr schön zur Stimmung bei, mit ihren prächtigen Dialogen, die witzig, unerwartet und poetisch, aber nie erzwungen klingen.
Van Horn baut die Story in einem einsamen Setting auf: ausser den fünf Ducks sieht man in den ersten beiden Dritteln keine anderen Personen, und auch dann wird nur leicht erweitert. Die Familie ist in der Natur auf sich alleine gestellt, Dagoberts Verletzlichkeit in dieser spezifischen Angelegenheit führt immer wieder zu kleinen Zerreisproben. Auch die Spannung stimmt. Zuerst weiss man gar nicht, was noch geschehen soll, wie die Ducks auf ihrer Suche da zwischen dem Schilf umherpaddeln, ohne die geringste Ahnung, wo das verlorene Schäfchen sein könnte, konfrontiert mit kryptischen Hinweisen und der Verschlossenheit von Dagobert.
Unverwechselbar bringt der Kanadier das alles zum Ausdruck. Sein Stil hebt sich deutlich von den gewöhnlichen Comics dieser Grössenordnung ab, bewegt sich locker-leicht in seinem Milieu. Man könnte sagen: van Horn zelebriert die Coolness der Ducks. Sie sind abgebrüht, nicht in dem Sinne, dass sie irgendwie knallharte Typen wären; man bekommt bei ihnen irgendwie zu spüren, dass nicht alles so dramatisch ist...die Leichtigkeit des Seins. Diese Einstellung ist bei jedem von van Horns Geschichten zu sehen, durch die knappen, aber präzisen Dialoge, die ungeschönten Bilder. Man muss nur einen Blick auf eine Seite von ihm werfen, schon fühlt man sich beruhigt. Und gerade in diesem Comic, wo so lange Ratlosigkeit herrscht, macht sich das besonders deutlich bemerkbar.

Zum Schluss wird dann das Rätsel gelöst, dass die ganze Zeit über im Hintergrund vorhanden war, und das der Geschichte den Titel beschert hat. Es muss hier nicht unbedingt erwähnt werden, obwohl dieser Comic bereits einen gewissen Bekanntheitsgrad geniesst und sämtliche folgende Geschichten mit Dietram in irgendeiner Weise mit diesem Fakt spielen. Die letzte Seite ist einfach zu schön gestaltet und zu gekonnt gezeichnet. Auf jeden Fall eine Besonderheit innerhalb der Disney-Comics, einen bestehenden Zustand so radikal umzukippen und dann weiterzuführen, selbst wenn es hier nur in einem eher bescheidenen Massstab geschieht...

aus Die Ducks - Eine Familienchronik, September 2010

Herzlichen Glückwunsch zum Geburtstag!

2011-02-18T21:35:00.001+01:00

Donald erzählt die Geschichte seines Lebens...

So simpel ist das. Vor gut einem Vierteljahrhundert - man schrieb gerade das fünfzigste Bühnenjubiläum von Donald Duck - da machte sich Marco Rota auf, tiefer in das Leben des Erpels zu tauchen. Herausgekommen ist eine in allen belangen aussergewöhnliche und besondere Geschichte.

Äusserst aussergewöhnlich und besonders beginnt sie schon. Die erste Seite füllt ganz eine Stadtansicht von New York aus - und Rota ist bekanntlich ganz angefressen von solchen Szenerien. Dazu kommt aus dem Off die Stimme eines unbekannten Erzählers. Der Stilbruch und die Überraschung folgen im vierten Bild: keine beliebigen Panoramen verfolgen wir, sondern die Perspektive eines Reporters, der über die Stadt fliegt und dabei die Ducks auf einem der Dächer entdeckt. Im Folgenden landet der Helikopterpilot dort und der Reporter redet mit Donald - der ist sich seines Ruhmes gar nicht bewusst: "Wollen Sie damit sagen, Sie kennen auch meine finanzielle Situation?" Schliesslich beginnt Donald dann aber doch, seine Lebensgeschichte zu erzählen.

Und das macht dann nun den Rest der Geschichte aus. Bis auf Rosa wagt sich sonst kaum ein Autor in die Vergangenheit der Figuren hinein, aus einem relativ simplen Grund: auf seine gegenwärtige Situation hat diese gar keinen Einfluss. Donald hat keine Biografie. Genauso wenig wie die anderen Enten und Mäuse. Bei jeder Geschichte wird der Status wieder auf Anfang zurückgesetzt. Es gibt keine Kontinuität, lediglich viele kleine, allgemein anerkannte Konstanten, die dem Leser bekannt sind: die Verwandschaftsverhältnisse, Dagoberts Reichtum, Donalds Pech, die Intelligenz der Jungs, Donald muss für Dagobert arbeiten...all diese Konstanten wurden ohne weitere Hintergrundgeschichte von ihren jeweiligen Erfindern, hauptsächlich Barks, in den Raum geworfen und fortan ungebrochen verwendet. So muss man dann nicht bei jeder Geschichte erst erklären, wer die Personen sind und wie sie sich verhalten, sondern kann mehr oder weniger rasch ins Geschehen einsteigen. Entenhausen ist somit ein Ort mit unendlich vielen, aber zugleich keinen Gesichtern, denn Geschehnisse aus anderen Geschichten werden nicht aufgenommen, es gibt keine Veränderungen, lediglich die allgemein bekannten Konstanten verbinden alles. Die Figuren haben nicht nur keine Biografie, sondern auch keine Erinnerung. Beides ergab sich so in den ersten Schöpfungen mit ihnen, weil man keinen grossen Storybogen im Sinn hatte, sondern eine beliebig erweiterbare Welt - die damit eben keine dauerhaften Veränderungen kennt.
Natürlich gibt es auch Ausnahmen, abgesehen von Rosa. Comics mit Donny Duck z.B., wobei dort einfach eine neue solche Welt erschaffen wird, die den gleichen Gesetzten von Zeitlosigkeit und Amnesie gehorcht. Es gibt öfters auch Anmerkungen von Seiten der Figuren, die sich dann doch mal an irgendein Ereigniss erinnern können - allerdings an kein spezifisches, sondern an ein austauschbares, das bloss für diese eine Geschichte Gültigkeit hat, in der es verwendet wird.

Nach genau diesem Prinzip formt Rota hier die Vergangenheit von Donald. Nicht wie Rosa, mit einer "wahrheitsgetreuen" Geschichte, in der ein Ereignis auf dem vorhergehenden aufbaut und es eine Kontinuität mit Veränderungen gibt, eine genau definierte Zeitlinie; sondern ganz in der Tradition der Disney-Comics, wie sie von Anfang an gedacht waren und bis auf wenige Ausnahmen heute noch immer existieren (es sei angemerkt, dass mit der Erschaffung dieser zeit- und gedächtnislosen Welt, damals in den 30ern und 40ern, bestimmt auch monetäre Interessen mitgespielt haben. Diese Welt kann beliebig erweitert werden, ohne das man sich Peinlichkeiten leisten müsste, wie das viele Superheldencomics z.B. kennen: ein grosser Storybogen ist beendet, es gibt nichts mehr zu sagen - um weiter machen zu können, muss das Universum künstlich erweitert werden, durch andere Dimensionen, Zeitsprünge...die Disney-Comics sind theoretisch unbegrenzt, womit beliebig viele produziert werden können).

Gewürzt wird dieses Konzept mit der Verwendung von zahlreichen klassischen Szenen aus Werken von Künstlern, die diese Welt geprägt haben, womit die Geschichte eindeutig die Züge einer Hommage enthält; nicht nur an die Figur Donald, was ja klar ist, sondern auch an einige der wichtigsten Künstler. Es gibt Szenerien, die wie aus einem Trickfilm anmuten, bspw. wenn Donald im Alleingang eine ganze Flugzeug-Flotte vernichtet. Es gibt direkte Reminiszenzen an Taliaferro (das Auftauchen der Neffen) und natürlich zahlreiche Begebenheiten aus einschlägigen Barks-Geschichten. Wobei diese Ereignisse nur am Rande beschrieben werden, sie könnten auch aus sonst einer Geschichte stammen oder auch gar keinen speziellen Bezug haben, sodass sie schwer zu entdecken und eindeutig zu identifizieren sind.

Es wäre also falsch, diese Geschichte als eine "Biografie" des Donald Duck zu verstehen. Denn Donald Duck braucht keine Biografie, genauso wenig wie irgendeine andere Figur seiner Welt. Es ist vielmehr eine Hommage an diese Figur, ihre Flexibilität und ihre Menschlichkeit. Man bekommt ein schönes Bild serviert, wie er ist, dieser Herr Duck, wie er sich in seiner Umgebung verhält. Die einzelnen Stationen in seinem Leben spielen dabei gar keine so grosse Rolle. Es gibt in dieser Erzählung, die stellvertretend für so gut wie alle Disney-Comics stehen kann, keine Schlüsselmomente, die den Charakter vollkommen verändern oder prägen. Es ist ein Schwelgen in der Herrlichkeit all der Geschichten, die mit dieser liebenswerten Person erschaffen wurden, die ihre Nahbarkeit zeigt, dabei aber eigentlich gar nicht genauer definiert wird. Donald lässt sich nicht in ein Korsett stecken, man kann für ihn keine ausdrückliche Vergangenheit erfinden, wenn er dabei in der Gegenwart noch immer die selbe, vielseitige aber unverkennbare Person bleiben soll. Sinnbildlich dafür steht seine Geburt: er schlüpft schlichtwegs aus einem Ei, was realistisch betrachtet kompletter Schwachsinn ist, aber nebenbei bemerkt, zu einem der berühmtesten Bilder in der Geschichte der Disney-Comics geführt hat.

Die Schlussszene setzt dem ganzen Schauspiel noch die Krone auf: so lange haben wir sein Leben verfolgt, so stark sind auf den letzten Seiten seine Symphatien gewachsen, da kommt Dagobert in der üblichen herrischen Manier an und zeigt den Teil von sich, der für Donald nur Verachtung übrig hat. Aber in diesem einen Moment ist ihm das egal, wir erleben ihn nicht einem seiner schwachen Augenblicke, die natürlich öfters porträtiert werden, sondern ehrlich und selbstbewusst, nicht chaotisch, sondern bescheiden, wie er eben ist, wenn er all seine menschlichen Stärken ausspielt, und da foppt er seinen alten Onkel. Es muss keinen Rückfall bedeuten, dass er kurz darauf von diesem in dessen Wut verfolgt wird, wie das so üblich ist, wenn er eigentlich einen schwachen Moment hat, aber den hat er hier nur scheinbar, er bleibt bei dieser einen Gelegenheit dennoch der starke, unabhängige Charakter, denn schliesslich kann ihm sein Onkel da egal sein. Der Reporter verschwindet, der Helikopter hebt ab, die fünf Ducks werden kleiner und sind wieder in ihrer Alltagswelt angekommen, geprägt von den bekannten Konstanten.

aus Die Ducks - Eine Familienchronik, September 2010

Der Schatten des Drachen

2011-01-28T21:20:00.001+01:00

Irgendwo in Asien, vor einigen Tausend Jahren: der Bauer Mi Ki holt einen namenlosen Fremden zu sich, den er am Fluss gefunden hat. Der Mann ohne Vergangenheit gliedert sich in das Dorfleben ein und lernt die beiden Neffen des Bauern kennen, Ma Ki und Mu Ki, und auch seinen Freund, den Lebenskünstler Go Fi. Das Leben in der Provinz wird jedoch von den Schergen des Fürsten gestört, der sich auf Kosten der Bevölkerung zu bereichern weiss. Bald wird klar, dass hier mehr als nur jemand ein Geheimnis hütet...

Es hat beinahe zehn Jahre gedauert, bis die vorliegende Geschichte ihren Weg von Italien bis in den deutschsprachigen Raum gefunden hat. Entstanden Ende der 90er, wurde sie 2007 innerhalb der Jubiläumsedition zum 40sten Jahrestag des Bestehens des Lustigen Taschenbuchs erstveröffentlicht. Und sie trägt, in all ihren Ausprägungen, die Handschrift von Tito Faraci, mit dem grössten Autoren der zeitgenössischen Disney-Comics aus Italien. Als er diese Geschichte schrieb, war er erst einige Jahre als Autor aktiv, konnte sich aber schon einen Ruf in der Fangemeinde verdienen, mindestens in seinem Ursprungsland, wo sein Werk sofort und ungefiltert erschien. Einige seiner berühmtesten Geschichten stammen aus dieser frühen Phase, meist Mausgeschichten, und Der Schatten des Drachen reiht sich da nahtlos ein.

Was macht diesen Comic so besonders? Das lässt sich leicht benennen: er ist extrem unkonventionell erzählt, ganz besonders im Vergleich zu gewöhnlichen Disney-Comics. Einerseits lässt er sich viel Zeit, ganze 58 Seiten, aber das allein ist so aussergewöhnlich noch nicht. Es ist der ganz eigene Stil, der den Unterschied macht; ein Stil, für den Faraci in seinen wichtigen Werken auch bekannt ist, aber hier treibt er ihn auf die Spitze. Die ganze Szenerie ist sehr filmisch gestaltet, und bestimmt dürfte auch der Plot von einschlägigen Filmen des Genres inspiriert gewesen sein - er ist nicht die letzte Stufe der Originalität, aber allemal eigenständig. Das fängt an mit der Einstiegssequenz, die auf Worte verzichtet, und zieht sich durch die ganze Geschichte fort. Man kommt sich hier nie vor, wie ein teilnahmsloser Beobachter, sondern wird richtiggehend eingesogen in die fremde Welt, die Faraci sorgfältig aufbaut und ausbreitet. Er vermag von Anfang an eine bestechende Atmosphäre zu erzeugen, eine ganz bestimmte Stimmung, die dann auch nie wieder verloren geht. Zu Beginn sehen wir das Dorfleben des Bauern Mi Ki, und wie der Fremde behutsam dort eindringt und sich mit diesem Leben anfreundet - bevor dann Verdachtsmomente gestreut werden und es zu ersten Konfrontationen kommt, die kontinuirlich bedeutsamer werden.
Dabei verzichtet Faraci auf allzu viele Worte. Es wird wenig gesprochen, die Sprechblasen sind klein, dafür fügen sie sich anstandslos in die Bilder ein. Hier ist kein Platz für Geschwätz oder tumbe Witze - es wird gesagt, was gesagt werden muss, und der Rest wird von den Bildern ausgesprochen. So entstehen ein ums andere mal poetische Szenen. Bildersprache und Text vermengen sich. Auch das ist ein stark filmisches Mittel, denn im Film kann nicht besonders viel Text gesprochen werden, ohne das es langweilig wird; dafür müssen die Bilder besser zeigen, was passiert. Der Film ist ein visuelles Medium, die Literatur ein sprachliches. Und wenn man es genau betrachtet, ist der Comic die perfekte Verschmelzung der beiden: die Bilder sind da, aber der Text steht ebenso dort. Da ist es nur recht, dass sich diese Geschichte stärker als sonst auf die visuellen Wurzeln des Mediums besinnt. Beide Elemente, Wort und Bild sind hier sehr ausgewogen, keines nimmt zu stark Überhand, aber durch die spärliche Verwendung von Dialogen bekommen die Bilder mehr Gewicht, was bewirkt, dass man auf diesen Seiten wundervoll versinken kann. Es ist eine Geschichte, die den Leser wirklich packt. Das ist, natürlich, in Worten schwer zu beschreiben und muss selbst erlebt werden...

Was dem ganzen Werk endgültig die Krone aufsetzt, ist aber die auffällige zeichnerische Umsetzung, die hier wie gehört, einen besonders wichtigen Stellenwert hat. Das Artwork stammt von Mottura, einem der ungewöhnlichsten und fantastischsten Künstlern dieser Tage. Sein Stil ist ausladend und ungeheuer dynamisch. Der Mann kann quasi jede Szene bebildern, sodass sie im Gedächtnis sitzen bleibt. Und das ohne jegliche professionelle Zeichnerausbildung, was wohl sein grosser Vorteil ist, musste er doch nicht durch die Dompteurschule von Disney Italia, dessen Schüler zwar technisch einwandfreie, aber teils sehr nüchterne Arbeiten abliefern. Aber Mottura ist anders. Und hat man erst einmal eine Geschichte von ihm gesehen, vergisst man sie so schnell nicht wieder. In diesem Comic gibt es keine Seite, auf der man nicht ein fantastisches Panel erblickt. Auch die Gestaltung des Ganzen ist hervorragend. Sehr abwechslungsreich in der Panelführung, aber immer unverkennbar ein typischer Disney-Comic. Erst in der Verbindung mit den Bildern entfaltet die Geschichte ihre volle Kraft, ihre ganze Dynamik, die Atmosphäre, die Spannung, die Poesie. Mottura ist so bewandert in seiner Arbeit, dass er mühelos den filmischen Stil in das Artwork einbringt. Es gibt viele stille Panel, viele Gegenschüsse, Weitwinkelaufnahmen, und immer passt es und gibt dem Comic seine aussergewöhnliche Note. Ein Genuss!

Auf der personellen Seite ist besonders interessant, wie die bekannten Charaktere aus dem Mausoversum in diese Zeit transportiert werden. An vorderster Front steht da Karlo, der hier der "Fremde" ist. Der Kniff Faracis besteht darin, die Erwartungen der Leser zu umgehen. In den meisten Historienparodien dürfte Karlo den Part des Schurken übernehmen, aber hier ist er sehr viel ambivalenter. Zu Beginn geht man natürlich auch hier davon aus, und deswegen enthält die erste Begegnung mit der Person von Micky sehr viel Sprengkraft. Die Erwartungen werden aber genau ins Gegenteil verkehrt. Die beiden kennen sich nicht, und sie gehen miteinander um wie es die Gesetze jener Welt vorgeben. Das ist unwahrscheinlich schön anzusehen, wie zwei Charaktere in einer anderen Rolle ganz anders miteinander umgehen. Das ist von Faraci ganz bestimmt auch so gewollt, er versetzt sie in diese fremde Welt und gibt ihnen eine neue Bühne, auf der sie agieren können. Diese Variation in der Personenkonstellation macht einen weiteren Reiz dieser facettenreichen Geschichte aus. Trägt Karlo auch im normalen Entenhausen durchaus symphatische Charakterzüge, so wird das hier noch verstärkt. Er mag zwar eigentlich ein harter Hund sein, aber er ist herzensgut, ein bescheidener, einsamer Krieger. Ganz ähnlich ist Micky, der hier noch bescheidener auftritt als in Entenhausen, nichtsdestotrotz ist er stark in seinen Gefühlen - die Doppelrolle, die später zum Vorschein kommt, macht diesen Charakterzug noch greifbarer. Die beiden sind Seelenverwandte. Und wie Faraci das aufzeigt, das ist eine ganz grossartige Leistung. Sie verleiht der Geschichte eine leise melancholische, vor allem eine gefühlsbetonte Note, die sie über quasi jegliche andere Geschichte hebt und somit eine gänzlich neue Dimension erreicht, wie das nur sehr selten geschieht.
Auch die Nebenfiguren sind gut getroffen. Mack und Muck sind unheimlich symphatisch und direkt, Goofy bekommt einige kleine, aber feine Auftritte, die ihn als unabhängigen Menschen zeigen, und das Schwarze Phantom ist natürlich prädestiniert für die Rolle eines skrupellosen, aber smarten Unterdrückers.

Das Werk zweier Ausnahmetalente. In Worten nicht gerecht zu erfassen, so kraftvoll und schön. In jedem Moment dramatisch, und dabei ungeheuer poetisch. Eine uneingeschränkte Empfehlung und ein Muss für jeden Fan!

aus LTB Jubiläumsedition 4, Oktober 2007

Das schönste Geburtstagsgeschenk

2011-01-09T21:59:00.000+01:00

Seine Anverwandten plus Gitta locken Dagobert in eine Falle, um ihn an einen elektronischen Gedankenleser von Herrn Düsentrieb anzuschliessen: schon seit Jahr und Tag wollen sie herausfinden, was sich Dagobert am meisten wünscht, um ihm damit endlich ein würdiges Geburtstagsgeschenk zu vermachen. Das Geheimnis liegt tief in Dagoberts Vergangenheit, in Jahren von ausgedehnten Wanderungen um den Globus…da macht er sich auf, sich diesen einen unerfüllten Wunsch endlich zu erfüllen, und reist nach Peru. Aber er ist nicht so alleine, wie er scheinbar gerne wäre…

Manchmal könnte man meinen, der Chef persönlich müsse auftauchen, um alles ins Lot zu bringen. So geschehen bei diesem modernen Meisterwerk, welches Ende der 90er von Egmont-Kopf Byron Erickson verfasst wurde, der ansonsten nicht allzu oft zur Schreibfeder greift – aber wenn, dann mit Erfolg. Und damit alle Bedingungen für so eine grosse Geschichte gegeben sind, lässt er sich Zeit, viel Zeit. Stolze 62 Seiten zählt dieses Exemplar. Klotzen statt kleckern ist das Motto, und so zeichnet sich auch niemand geringerer als der grosse Giorgio Cavazzano für die visuelle Gestaltung verantwortlich; vor über zehn Jahren eine Seltenheit in einer dänischen Geschichte, und bis jetzt hat sich das nicht grossartig verändert. Von allen einflussreichen Künstlern ist Cavazzano heute, eine ganze Weile später, noch der einzig lebende und aktive, auch Ende der 90er war das kaum anders. Hierbei wollte man von Anfang an alles richtig machen, und das hat auch vortrefflich geklappt.

Wobei der Titel schon einmal nicht wirklich epische Züge trägt. Das soll aber nicht über die Ausmasse und die Kraft dieser Geschichte hinwegtäuschen. Dafür weist der Titel auf etwas anderes hin: hier wird das Innenleben des Protagonisten genauer geschildert. Damit gehört dieser Comic in eine Reihe von wenigen Storys, in die sich zuvor ausser Koryphäen wie Barks oder Rosa nur wenige eingefunden haben. So sieht man während zwei Dritteln der Geschichte Dagobert, meist allein auf weiter Flur und oft bei einer einzigen Tätigkeit, der er verbissen nachgeht; er versucht die geschickt konstruierte Pyramide zu erklimmen.

Aber dazu später mehr. Die Geschichte beginnt nämlich schon verheissungsvoll. Sie nimmt sich von Anfang an viel Zeit, die Einleitung nimmt ganze zwanzig Seiten in Anspruch. Dort, wo andere Geschichten schon aufhören, beginnt diese erst. Ganz zu Beginn steht eine Verfolgungsjagd zwischen dem fliehenden Dagobert und der beherzten Gitta durch die Entenhausener Innenstadt. In dieser Art und Weise ist das ein ungewöhnlicher Anfang, und so wartet man gespannt den Ausgang der Hatz ab. Der nachfolgende „Verrat“ durch Donald und die Jungs öffnet eine ganz neue Dimension. Jetzt wird klar, dass es hier um mehr gehen muss, als bloss um ein gewöhnliches Intermezzo zwischen Dagobert und seiner Lieblingsfeindin. So wird anfangs die Spannung gesät, die später nie aus der Hand gegeben wird. Man bekommt einen der seltenen Einblicke in die bewegte Vergangenheit von Dagobert. Es handelt sich dabei um die einzige Sache in seinem Leben, die er nie beendet hat. Sie weckt neuen alten Ehrgeiz in ihm – es ist das einzige, was er sich noch wünscht.

In der Folge macht er sich, genau wie damals, auf eigene Faust auf, um den Ort seiner frühen, aber letzten Niederlage aufzusuchen. Selbstverständlich, dass ihm Gitta auf den Fersen ist, um ihm seinen einzigen, tiefen Wunsch erfüllen zu können. Dagobert nimmt die verschlungensten Wege nach Peru um ihr auszuweichen, aber schlussendlich muss er mit ihr leben. Das seltsame Paar kommt so in das Dorf am Hügel, auf dem die unbezwingbare Festung Itzda Pitz mit ihren Schätzen liegt. Seit damals hat sich kaum etwas verändert, und Dagobert stösst auf die Widerstände, die er damals selbst verursacht hat. Auf nahezu dreissig Seiten sieht man ihm und Gitta zu, wie sie versuchen, die Pyramide zu erklimmen. Ihre Bauart hat sie uneinnehmbar gemacht: sie ist umgeben von einem bodenlosen Graben, überspannt von zahlreichen Brücken, die sicher erscheinen, aber bei Berührung in der Mitte zusammenbrechen. Nur eine Brücke ist passierbar, und die gilt es herauszufinden. Dagobert versucht es per Lasso, und so sieht man ihm tagelang bei seinen Versuchen zu. Es hat etwas meditatives, ist aber nicht eintönig, dafür sorgen die Begegnungen mit Gitta. Sorgfältig wird die Beziehung zwischen den beiden ausgelotet. Wer denkt was? Da entsteht genug Spielraum, um eine ganze Breite von Situationen durch zuspielen. Nach und nach werden einige Geheimnisse gelüftet. Es wird klar, warum Dagobert es damals, beim ersten Versuch, nicht schaffen konnte, und welche Rolle die ominöse Badangawurzel dabei spielt.

Was so sehr an diesem Opus beeindruckt, ist aber nicht nur die Tiefe der Charaktere. Natürlich bildet diese im theoretischen Sinne den Kern der Geschichte, und im Grossen und Ganzen dreht sich natürlich auch alles um sie, allen voran um Dagobert an sich, aber am Rande auch um seine Beziehung zu Gitta. Es wird klar, dass Dagobert lange nicht nur aus der Person besteht, die er meist vorgibt zu sein, schon gar nicht nur aus dem forschen, unzufriedenen Dagobert. Getreu dem Motto "harte Schale, weicher Kern" erfahren wir, was ihn antreibt: es ist die Suche an sich, selbst wenn am Ziel Geldeswert zu erreichen ist. Es geht ihm weniger um das Ziel selbst, als um den Weg dort hin, um das Abenteuer. Ganz ähnlich zeigt das Rosa in einigen seiner Geschichten, allen voran natürlich in SLSM. Auch bei Barks schimmert das immer wieder durch, in ruhigen Momenten, besonders während seiner klassischen Phase in den 50ern. Rosa hat dabei einen sehr direkten Zugang gewählt, er stellt die Charakterentwicklung Dagoberts oft ins direkte Zentrum, um welches dann auch noch eine Handlung kreist. Ähnlich wie Barks haut Erickson aber nicht so stark auf die Pauke. Als Leser muss man schon mitkriegen, was Dagobert fühlt, während die Story passiert, es wird einem nicht aufgezeigt, nicht direkt zugänglich gemacht. Alles in allem sind diese 62 Seiten eine sehr elegante Art, die Figur Dagobert auftreten zu lassen.

Aber nebenbei geht es eben nicht nur um den Charakter alleine, denn diese Beschreibung seiner Person ist so neu nicht und würde alleine noch nicht eine ganze Geschichte tragen (obwohl das hier so sorgfältig und ausführlich aufgebaut ist wie selten zuvor). Da wäre auch noch die oberflächliche Handlung. Bei der Länge gibt es genügend Zeit, einen differenzierten Plot aufzubauen. So kann man diesen Comic schlicht als eine atemberaubende Abenteuergeschichte lesen. Die Elemente sind klassisch, und fantasievoll abgewandelt. Dabei wird einem so oder so nie langweilig beim Lesen. Die Geschichte ist abwechslungsreich in Gestaltung und im Detail, und schlicht episch als Ganzes. Dazu der sehr schön ausgebaute Unterbau in Form der Charakterstudie, der den Hauptteil ausmacht...es mag einem kaum als Zufall erscheinen, dass diese Story im Hinblick auf Dagobert's 60. Geburtstag entworfen wurde, ebenso wie Don Rosa's thematisch sehr ähnlich gehaltenes Sein Goldenes Jubiläum, bei dem es ebenfalls, aber natürlich anders interpretiert, um Dagoberts grössten Wunsch geht.

Fazit: Das schönste Geburtstagsgeschenk ist ein Meisterstück in bester Tradition der Disney-Comics. Ein Abenteuerepos mit Tiefgang, bei dem für jeden Geschmack etwas dabei ist: spannend, witzig, berührend und grossartig gezeichnet.

aus LTB Spezial 37, Oktober 2010

Schlaflos in Entenhausen

2010-12-31T10:27:00.000+01:00

Die tägliche Arbeit der Entenhausener Polizei ist stressig. Umso schlimmer, dass Issel auch noch umziehen muss und partout keine geeignete Wohnung findet. Er kommt in einem einigermassen schäbigen Zimmer unter und wird des Nachts vom Lärm der Nachbarn bzw. ihrer Babys gestört - so sehr, dass er sich tagsüber kaum wach halten kann....und das ausgerechnet, als das Verbrechen Überstunden schiebt!

Mit 34 Seiten zählt diese Geschichte nun wirklich nicht zu den längsten. Im heutigen LTB stellt sie eine ganz normale längere Story dar, die nicht weiter auffällt. Dennoch erzählt sie auf diesen 34 Seiten mehr als manch längere Geschichte, und bestimmt mehr, als die meisten Comics überhaupt. Ein Vergleich drängt sich bezüglich Titel, Hauptperson und Motiv sofort auf: Kommissar Issels lange Nacht! Ein Meilenstein, eine moderne Legende, die ihresgleichen sucht. Und diese Legende hatte seinerzeit sogar nur 30 Seiten Platz, als sie vor über zehn Jahren das LTB rockte. Da hiess der Autor Tito Faraci, heute Corrado Mastantuono, beide Male illustrierte Giorgio Cavazzano. Klangvolle Namen also auf beiden Seiten, aber da hören die Gemeinsamkeiten noch lange nicht auf: Beide Geschichten drehen sich um den nicht immer so souveränen Inspektor Issel und beide haben mit der dunklen Tageszeit zu tun. Damals spielte sich alles in einer einzigen Nacht ab, diesmal leidet Issel aus gutem Grunde an tagelangem Schlafentzug.

Was uns Mastantuono auftischt, ist nichts anderes als ein Krimi der Extraklasse, und obendrein auch noch ein wenig Charakterstudie. Der Mann hat ja durchaus Erfahrung und ist bekannte für eine kleine, aber feine Anzahl Geschichten. Zudem ist er auch einer der wenigen Künstler, die schon einmal solo unterwegs sind, also über schreiberische und zeichnerische Fähigkeiten verfügen. Eine Seltenheit, die genauso selten schlechte Früchte abwirft.

Mastantuono zeichnet unaufgeregt und mit scharfer Beobachtungsgabe das Polizeimilieu Entenhausens nach. Der Plot ist eindeutig charakterorientiert, es geht um kleine Szenen, um Situationen und Dialoge. So bekommt der Leser im Laufe der Geschichte eine Bandbreite unterschiedlichster Szenen mit, die ganz alltäglich anmuten. Eine Verfolgungsjagd, eine Festnahme, auf dem Revier, im Büro des Chefs, bei Hunter daheim, Issel auf Wohnungssuche, im Gespräch mit den neuen Nachbarn…all diese Einblicke sind abwechslungsreich und intelligent, es entsteht eine ganz andere Atmosphäre, als man sich das von gewöhnlichen Disney-Comics gewohnt ist. Diese sind ansonsten sehr handlungsbetont, benutzen eine Bühne, um die altbekannten Figuren darauf nach dem gewohnten Muster agieren zu lassen. In dieser Geschichte ist die Spannbreite deutlich grösser. Es geht um die Personen, die wir anscheinend so gut kennen. Statt sie wie gewohnt mitten in Aktion zu sehen, reduziert auf die gegebene (und meist nicht sonderlich variierte) Situation. Hier dagegen können wir beobachten, wir bekommen mehr mit von den Personen, ihren Beziehungen untereinander. So entsteht eine sehr dichte Atmosphäre, die die Spannung konstant hoch hält und nie abreisst. Es wird auch gar nicht versucht, künstlich an dieser Spannungsschraube zu drehen, es geht nicht darum, immer weiter steigend auf einen Höhepunkt zu zusteuern. Es geht darum zu sehen, was aus den liebgewonnen Personen wird. So kommt die „Auflösung“, die ja eigentlich gar keine allzu wichtige, also plumpe Bedeutung hat, dann nach einer ganzen Weile recht überraschend eingefallen. Sie ist gewitzt, dem erfahrenen Leser aber durchaus schon bekannt. Ihr grosser Verdienst ist eben, das sie so vollkommen unerwartet kommt, nachdem man sich schon bestens mit der neuen Situation angefreundet hat. Es wurden keine plumpen Verdachtsmomente gestreut, die Spannung blieb dennoch immer hoch, erzeugt durch die faszinierende und unterhaltsame Art und Weise des Erzählens.

Nebenbei kann man mit Cavazzano auch auf einen mehr als fähigen Zeichner bauen, der wie kein zweiter das passendste Artwork beisteuert. Egal, wie die Stimmung ist, humoristisch, verzweifelt, sorgenvoll oder temporeich, Cavazzano findet immer den richtigen Ausdruck. Die Zeichnungen untermalen die Handlung nicht nur, sie geben ihr den entscheidenden Halt, was natürlich gerade bei so einem personenbewussten Plot wichtig ist. Es gelingt ihm auch, immer diese Personen im Mittelpunkt stehen zu lassen, und sie nicht wie billige Pappkameraden hinter der Action versanden zu lassen. Das Artwork ist, schlicht gesagt, wie immer atemberaubend. Egal, was sich der Autor wünscht, Cavazzano macht es.

Neben ihrer andersartigen Erzählweise mit der Fokusverschiebung profitiert dieser Comic natürlich auch von seiner Hauptperson, Issel. Mit einem anderen Charakter in der tragenden Rolle wäre genau diese Geschichte nicht möglich gewesen. Es macht sie natürlich auch faszinierend, wenn eine typische Nebenfigur den Hauptpart übernimmt, und hier gelingt es dem Autoren auch, sie ins rechte Licht zu rücken. Issel ist nicht wie in manchen modernen Storys ein Tollpatsch (ganz zu schweigen von Steinbeiss, der hier allerdings nicht auftaucht), auch wenn er einen Hang zum Unperfektionismus hat. Issel ist menschlich, er hat seine klar erkennbaren Macken und Neigungen. Dasselbe gilt übrigens auch für Kommissar Hunter, der Issel hier nahezu hätte ersetzen können als Hauptperson. Letzterer ist dann allerdings auch etwas unabhängiger als sein Chef, der viel klarere Pflichten und damit Einschränkungen hat – und ganz allgemein dann doch etwas perfekter rüberkommt. Dennoch möchte man den Tag sehen, an dem Hunter in einer ganz ähnlichen Position auftaucht, aber ich schweife ab…Issel’s Glück ist auch, dass sein Charakter noch etwas unvoreingenommener, da weniger benutzt ist als der anderer Figuren, bspw. Micky. Man sieht ihn bei bestimmten Anzeichen nicht gleich in einer Rolle und hat bestimmte Erwartungen, Issel hat noch mehr Freiraum, um sich zu bewegen und manchmal in die eine oder in die andere Richtung zu neigen und den Leser damit zu überraschen. Micky hat dann dafür einen sympathischen Kurzauftritt von drei Seiten, der irgendwie auch noch zur Lösung des Falls beiträgt…in dieser kleinen Nebenrolle, wundervoll inszeniert, macht er einen sehr natürlichen und angenehmen Eindruck, auf jeden Fall auf eine andere Art, als gewöhnlich.

Schlaflos in Entenhausen fehlt es an nichts, nicht einmal an einem kultigen Titel: die Geschichte ist witzig, unterhaltsam, atmosphärisch dicht, schön inszeniert und wundervoll gezeichnet. Ein Musterbeispiel für einen abwechslungsreichen Comic, der sich abseits der ausgetretenen Pfade bereits auskennt.

aus LTB 399, Februar 2010

Neue Technik in Schurkenhand

2010-12-25T18:47:00.000+01:00

An einer Gala wird Kommissar Hunter für seine besonderen Verdienste ausgezeichnet. Als der Bürgermeister dem Prämierten seine Auszeichnung übergeben will, taucht wie aus dem Nichts eine unbekannte Gestalt auf, begleitet von erstaunlichen Missklängen. Aber das war erst der Anfang: in den nächsten Tagen taucht der Vermumte immer wieder auf.
Gerade als Micky beginnt, Licht ins Dunkel zu bringen, wird er ebenfalls Opfer des Schurken - und es gelingt ihm, diesem zu folgen....

Im Grunde genommen ist diese Geschichte ein klassischer Krimi mit Micky als Protagonist. Es geht um einen rätselhaften Verbrecher, der der Polizei mühelos entwischt. Nachdem auch Micky seine Macht schmerzvoll demonstriert worden ist, greift er auf Bitten der Polizei (und aus eigenem Ehrgeiz) ein. Es gelingt ihm, sich dicht an die Fersen des Gesuchten zu heften und so kommt er ihm auf die Schliche. Auch das markige Sci-Fi-Element kennt man, eine immer wieder gern benutzte Eigenart in diesen Geschichten.

Das alles heisst aber nichts schlechtes. Altbekannte Themen werden immer wieder verwendet, wie sollte es auch anders funktionieren? Schliesslich kann bei so einer Masse an Comics, selbst wenn man nur die Highlights herauspickt, nicht jeder völlig anders sein als der vorherige. Abwandlungen gehören immer dazu, und solche Variationen können sehr ergiebig ausfallen, gerade wenn es um ein spannendes Thema geht. Nur weil dem Leser Dinge bekannt vorkommen mögen, heisst das nicht, dass sich der Autor unmotiviert aus der Mottenkiste bedient hat, mindestens nicht immer. Einen kleinsten gemeinsamen Nenner gibt es immer. Und oft genug funktioniert er hervorragend, beflügelt durch die neu hinzugefügten kreativen Aspekte.

Die Geschichte nimmt rasch Fahrt auf. In der Eingangsszene, schon auf der dritten Seite, taucht das Monster erstmals auf. Micky ist entsetzt, seine Neugier geweckt, das Feld scheinbar bereits gesteckt: wie wird der Schurke gefangen? Kurz darauf gibt es schon einen Dämpfer: der Kerl ist der Polizei nicht unbekannt, er tauchte bereits zweimal auf in letzter Zeit, und bis jetzt gibt es keine einzige Spur. Man versucht, ihm eine Falle zu stellen, aber dann folgt der nächste Dämpfer: Das Monster schlägt beim Bürgermeister zu. Zu diesem Zeitpunkt scheint schon alles verloren. Das erste Drittel der Geschichte verläuft in den geordneten Bahnen eines Krimis, aber dann überschlagen sich die Ereignisse: Micky wird mitgenommen und im Plot (und auch wörtlich) eine neue Dimension geöffnet. Jetzt ist die Neugier des Lesers erst recht geweckt, nach diesem doppelten Schlag, der Erweiterung der gewöhnlichen Dramaturgie.

Was die Sache noch mal interessanter macht, ist das neue, fremde und äusserst ungewohnte Setting. Eine bizarre Wüste, lila und fast leer, mitten drinne nur ein zerfallendes Motel. Kein Ort auf der Erde sieht so aus....Micky ist vollkommen auf sich gestellt. Diese Situation wird wundervoll von Roberto Vian eingefangen, dessen Zeichnungen ganz allgemein hervorragend zum Maus-Universum passen. Ähnlich wie Cavazzano, aber doch ein eigener Stil, edel und filigran. Er setzt jede einzelne Sequenz ansprechend um, sodass auch die einzelnen Teilstücke dieses wie Comics filmische Szenerien wirken. Alles in allem ergibt das ein atmosphärisches, verschachteltes Ganzes.

Schön ist auch noch, wie Autor Salati auf diesen 39 Seiten Karlo einbaut, der hinter der Sache steckt (aber eben nicht ganz!). Zuerst vermutet man irgendwen, unbekannte Gesichter, und dann taucht er inmitten der verwirrendsten Szene des ganzen Plots auf: da steht er jetzt mit Micky in dieser grossen Holzhütte in einem lila Meer aus Sand in einer fremden Welt, ganz unvermittelt....danach müssen die beiden auch zusammen an einem Strang ziehen, um überhaupt Licht ins Dunkel zu bringen und irgendwie zurück zu ihren angestammten Plätzen zu kehren. Das geht natürlich nicht ohne Reibungen von der Bühne, wobei das Augenmerk viel eher auf dem "Anhängsel" Karlo liegt, und nicht auf dem mehr oder minder souverän agierenden Micky.

"Neue Technik in Schurkenhand" ist schlussendlich nichts als ein faszinierendes Stück Comic: spannend, interessant, und klasse gezeichnet.

aus LTB 401, April 2010

Zu Gast im Orbit

2010-12-08T18:41:00.000+01:00

Entenhausen ist in Aufregung. Der Grund dafür ist das Weltraumhotel Olympus I, das seine ersten prominenten Gäste aufnimmt. Darunter ist als einziger Normalbürger auch Micky. Die Ankunft gelingt, aber dann häufen sich Zwischenfälle...

Science-Fiction ist ein gängiges und beliebtes Genre innerhalb der Disney-Comics und wird öfters bedient - fast schon ausgereizt, möchte man sagen. Da gibt es auf der einen Seite Storys zum reinen Selbstzweck, und auf der anderen Seite Geschichten mit Inhalt. Selbstverständlich, das da Casty zu letzterer Gruppe zu zählen ist.
Wobei die vorliegende Geschichte eher eine ist, die bewusst leisere Töne anschlägt. Mancher interpretiert den Comic deswegen als nicht so hervorstechend, wie man das von diesem Autor gewohnt ist. Damit unterschätzt man den jungen Italiener aber etwas zu sehr - natürlich hat auch er einige ganz grosse Werke (viele davon leider noch unveröffentlicht auf Deutsch), die für herausragende Erzählkunst stehen; genauso wie es auch von ihm Geschichten gibt, die ein kleines (ein wirklich minimales!) Stück abfallen - aber diese gehört nicht dazu, das merkt man, wenn man zulässt, sich ihn ihr zu verlieren.

Da wäre als erstes natürlich die Thematik zu nennen. Science-Fiction, nun gut, darunter kann sich der erfahrene Comicleser so einiges vorstellen. Auch für Casty ist es beileibe nicht der erste Ausflug in diese mysteriös-technische Welt. Dennoch ist er ein ganz hervorragender Erzähler, fest verankert in den traditionellen Krimis, die Micky gross gemacht haben; was seine Vita sicherlich beweisst. Das ist der Kern jeder seiner Geschichten und auch wenn Science-Fiction in den ungesündesten Fällen auch in Disney-Comics von Oberflächlichkeit lebt, bleibt er sich treu. Was zählen, sind Personen, Motive, und ein Plot. Das Sci-Fi-Element erweitert diese Palette und gibt ihm mehr faszinierende Möglichkeiten. Auf jeden Fall also ein Gewinn.
Es wäre auch Schade, würden sich die Figur Micky und der Autor Casty nur auf die Alltagswelt Entenhausens verlassen. Das war schon immer so; es gab in der Geschichte der italienischen Disney-Comics immer diese Tendenz zum aussergewöhnlichen, geheimnisvollen und mythischen. Gerade in den Werken vieler früherer Künstler wie Scarpa, Martina, Pezzin finden sich grossartige Meisterwerke, die mit diesen Ideen spielen. Als Vorbild für "Zu Gast im Orbit" könnte man so Scarpas "Der fantastische Tokamak" sehen, zwar nicht wirklich alt, aber stilistisch und inhaltlich ähnlich, ebenfalls was die Seitenzahl angeht. Obwohl es von Scarpa bekanntere Geschichten gibt, ist dies eine, an die man sich immer noch gut erinnern kann, und das selbe gilt für Casty.

Diese Geschichte setzt sich neben dem stilistisch bereichernden Sci-Fi-Elementen auch noch aus anderen Dingen zusammen. Sie lebt von der flüssigen Inszenierung Castys. Es ist nicht so, dass der Schurke hinter allem eine komplette Überraschung darstellt, die vermeintliche typische "Auflösung" ist nicht so unheimlich wichtig - was bleibt einer Disney-Story auch anderes übrig? Die Zahl der bekannten Antagonisten ist klein, der Kreis der Verdächtigen also auch. Umgekehrt scheint anfangs auch gar keiner dieser Charaktere auftreten zu müssen, man rechnet nicht damit, nach der Einleitung noch weitere bekannte Gesichter zu sichten. Daraus resultiert also dennoch eine gewisse Spannung. Beide Effekte zusammen führen dann dazu, das beim ersten Anzeichen des Schurken (natürlich erst spät im Verlauf der Geschichte) die Überraschung plötzlich hochkommt, dann aber sehr rasch wieder abklingt und man weiter gebannt darauf wartet, wie der Erzfeind nun besiegt werden wird. Eine schöne Alternative zu Standard-Plots, bei denen konkrete Verdachtsmomente früh gesät werden und die Jagd im Mittelpunkt steht.

Casty spielt also geschickt mit unseren Erwartungen. Das ergibt eine greifbare Spannung und erzeugt eine besondere Atmosphäre, angeheizt durch das fremde, gut gewählte Setting und eine hervorragende zeichnerische Umsetzung. Das Artwork erinnert immer an einen frühen Scarpa, erhält aber auch seine eigene Note. Im Vergleich zu Scarpa wirken Castys Zeichnungen eher etwas kantiger, ungeschliffener und weniger explosiv - und das passt perfekt zu seinen Geschichten; gerade zu dieser, die eine schleichende Angst heraufbeschwört. Vermeintlich nebensächliche Fäden werden aufgenommen und dazwischen geschickt Fährten gelegt und Spuren verwischt; in den unmöglichsten Momenten durch unerwartete Gags garniert. Dabei spielt auch die Einführung einiger Nebenfiguren eine wichtige Rolle, die ein mehr oder weniger scharfes Profil bekommen. Casty konzentriert sich nicht geradlinig auf die Auflösung eines schlichten, anfangs gestellten Rätsels, sondern spielt mit dem Leser und geht einen Schlangenkurs. Das ist erfrischend, unterhaltsam und spannend.
Zeichnerisch machen verliebte Details aufmerksam. Micky und Goofy haben immer ihre zwei, drei widerspenstigen Strähnen und ganz allgemein ein frisches, symphatisches Auftreten; es gibt Schattensetzungen und Silhouetten; und ab und an auch eine durcheinandergewürfelte Panelaufteilung.

Schade ist es teilweise nur um die deutsche Bearbeitung. Das beginnt bei der offensichtlich unnötigen (aber nachvollziehbaren, siehe oben) Erwähnung des Schurkens im Editorial. Der Titelschriftzug war im Original wesentlich liebevoller (und wurde teilweise auch in anderen Ländern übernommen), und für den Titel selbst liessen sich auch noch treffendere Übersetzungen für "L'Incubo Orbitale" finden: in Folge einer falschen Übersetzung kam ich auf das wohlklingende "Der Weltraumwürfel", nicht weniger adrett und zusätzlich korrekt wäre "Albtraum im Weltraum" gewesen...und ausserdem kommt man in Deutschland zum wiederholten Male nicht in den Genuss des italienischen Original-Covers - aber das alles betrifft ja nur die (rein übersetzungstechnisch tadellose) Umsetzung im LTB, und nicht die Geschichte selbst.

Wem das Ende vielleicht etwas zu süss ist, der kann sich auf Casty's Facebookseite auch die düstere Alternativversion ansehen: Klick...

aus LTB 409, November 2010

Cover von Facebook

Ihr letzter Fall

2010-11-28T19:19:00.000+01:00

Micky und Goofy mit dem Auto in einem unbekannten Viertel von Entenhausen. Erinnerungen an längst vergangene Tage kommen hoch, als sie die "Detektei Goofy & Maus" entrümpeln. Und obwohl sie nur noch einmal zurück kommen wollten, nehmen sie sich dem Fall eines verzweifelten Autohändlers an, dessen Lieblingsfahrzeug entwendet wurde. Der Weg führt tief in ihre eigene Vergangenheit...

Diese Geschichte ist aus einem besonderen Grund entstanden. Sie erschien auf den Tag genau am 18. November 2008 erstmals in Topolino 2764, 80 Jahre nach dem ersten Auftritt von Micky Maus. Dahinter steht das bewährte Duo um Tito Faraci als Szenaristen und Giorgio Cavazzano als Zeichner, die sich glücklicherweise immer wieder finden und dabei nicht selten zu Höchstleistungen angespornt werden.
Das vorliegende Werk ist als Fortsetzung bzw. Hommage an Gottfredson's "Micky und die drei Diebe" ("The Crazy Crime Waves") von 1933 konzipiert. Dies war nicht nur der erste Auftritt von Goofy in einem Zeitungsstrip, sondern auch der Anfang von Micky's Detektivkarriere. Eine denkbar perfekte Wahl, um das Jubiläum der Maus würdig zu begehen. Faraci selbst bezeichnet die Geschichte als eine seiner wichtigsten.

Und dieses immense Herzblut merkt man dem Comic auf jeder einzelnen Seite an. Dabei nimmt die vordergründige Story gar keine grosse Rolle ein, warum auch? Es ist nicht eine sture Fortsetzung, die einfach den Handlungsfaden des Originals aufnimmt. Auf 36 Seiten liesse sich das wohl auch etwas schwierig umsetzen. Dieser Comic ist kein gewöhnlicher Comic. Er atmet den Geist des Originals, den Geist der alten Geschichten. Er ist eine Liebeserklärung an sie und an die Figur Micky.

Was zählt, sind die Szenen. Sie transportieren die Atmosphäre. Die Geschichte fängt schon so an: Micky und Goofy suchen in ihrem Auto die alte Detektei auf. Man merkt ihnen an, wie sie sich auf die kleine Begegnung mit ihrer Vergangenheit freuen. Es wird nicht viel geredet, sondern nur, was nötig ist. Die Wirkung übertragen zu einem grossen Teil die Bilder und natürlich ist Cavazzano der beste, wenn nicht sogar einzig richtige Mann dafür. Als Leser bekommt man das Gefühl, was es für die beiden Protagonisten bedeutet, an diese Orte, in ihre frühere Welt zurück zu kehren.
So zieht sich dieser Faden durch die ganze Handlung. Die Freunde begleiten den Autohändler, sie bowlen gemeinsam, sie erinnern sich an eine Szene aus dem angesprochenen Abenteuer, sie suchen den ehemaligen Bürgermeister auf.

Jede Szene ist so ein kleines Kunstwerk für sich. Gut komponierte Panel, intelligente Dialoge, schöne Bilder. Das alles mutet sehr ruhig an. Die Erzählweise ist gediegen, selbst die Actionszenen strotzen vor Gelassenheit und Selbstbewusstsein. Dabei kommt der Humor nie zu kurz. Die Geschichte ist locker und unverkrampft, aber durch den Humor gewinnt sie noch mehr. So gibt es auch einige Passagen, in den verschiedene Leute, mal Goofy, mal der Bürgermeister, Micky auf seine kurzen Hosen aufmerksam machen. Ein gelungener Seitenhieb gegen den unruhigen Kaschperlmicky, der für sich in Anspruch nimmt, den draufgängerischen Mäuserich aus den Comicstrips wieder zu beleben.

Im Fokus liegen natürlich immer die beiden Hauptfiguren, Micky und Goofy. Der Micky ist der, den wir kennen und lieben, das heisst vorallem eines: eine ausgewogene Persönlichkeit. Er ist ernsthaft, aber locker, mutig, aber selbstlos. Er ist in wenigen Worten nicht leicht zu beschreiben, sodass all seine Facetten sichtbar werden. Faraci gelingt das hier vortrefflich, besser als man erwarten darf, aber genau das ist ja die Absicht, die hinter dieser Hommage steckt. Das Zusammenspiel von pointierten Dialogen und dezenter, aber dennoch klarer Mimik macht ihn augenblicklich symphatisch. Genau so muss dieser Charakter behandelt werden!
Auch Goofy ist hervorragend getroffen. Er scheint nicht der klügste zu sein, aber dumm ist er nicht. Er ist mehr als nur liebenswürdig, auf keinen Fall bemitleidenswert. Er zelebriert seine eigene Logik und schafft mehr, als man erwarten möchte. Sein Verhältnis zu Micky ist von einer tiefen Freundschafft und einem beinahe allumfassenden Verständniss geprägt. Micky darf ihn auch einmal harsch anfahren, beide wissen, wie sie miteinander umgehen möchten. Hier ist kein Platz für Zwist, niemals. Diese Geschichte ist mehr als alles andere eine Charakterstudie und ein Vorbild für alle Künstler, die sich ihnen annehmen.

"Ihr letzter Fall" hat etwas endliches, etwas bestimmendes. Eine Ahnung davon, dass auch sie einmal nicht mehr die selben sein werden. Das macht die Wucht und die Grösser des Comics aus, seine Schönheit und Faszination. Eigentlich darf man über diese Geschichte gar nicht so viele Worte verlieren. Man sollte sie nicht in ihre Einzelteile zerlegen, sondern geniessen
Damit schliesst Micky ab: die Detektei aus ihrer Jugend geht endgültig zu. Aber das bedeutet nicht das Ende. Auch wenn er sie nicht sucht, die Abenteuer werden ihn finden.

aus LTB 408, Oktober 2010

Die Nacht des Sarazenen

2010-11-21T11:59:00.000+01:00

Donald und die Kinder finden per Zufall ein altes Fragment, versteckt im Griff eines antiken Säbels aus dem Besitzt von Dagobert. Sie halten es für eine Schatzkarte. Um mehr herauszufinden, besuchen sie gemeinsam den Scheich, von dem der Säbel seinerzeit kam. Ein alter Seher erzählt den Ducks von einer Legende...der Nacht des Sarazenen, in der alles möglich ist. Sie fliegen nach Genua und klappern die ligurische Küste ab. Und dort erfahren sie nichts anderes als die Nacht des Sarazenen am eigenen Leibe....

Marco Rota und Don Rosa teilen nicht nur einen fast identischen Familiennamen und die italienische Abstammung, sondern auch das Talent für ungewöhnliche Disney-Comics. Die langen 32 Seiten der „Nacht des Sarazenen“ gehören zum lesenswertesten, was Rota je vorgebracht hat. In Anbetracht seiner auf Deutsch erst relativ späten Erstveröffentlichung muss man diesen Comic als einen modernen Klassiker ansehen. Dem TGDD gebührt höchster Dank, dass die Geschichte schliesslich doch noch zu uns gefunden hat, und dies in der vortrefflichen Übersetzung von Peter Daibenzeiher.

Die Geschichte beginnt gleich verheissungsvoll. In gewohnter Manier, aber aussergewöhnlich schön gestaltet machen sich die fünf Ducks auf zu neuen Ufern. Die Szenen sind, typisch Rota, realistisch angehaucht. Man merkt gleich, dass da mehr dahinter steckt als man für gewöhnlich erwarten kann. Die Handlung zeigt sich anfangs ruhig und gediegen. Dennoch gibt es schon auf den ersten Seiten einige denkwürdige Gags. Eine dunkle Ahnung von kommenden Geschehnissen schleicht sich erstmals ein, als die Ducks den alten Seher besuchen. Sehr schön baut Rota hier Spannung auf. Bemerkenswert ist, dass er dabei dennoch mit einer relativ beschränkten Zahl an Perspektiven auskommt. Die allermeisten Panels zeigen die Figuren ganz einfach aus einem seitlichen Blickwinkel, öfters auch von Kopf bis Fuss. Durch eine geschickte Bildauswahl, den Einsatz von Schatten und Schattierungen und eine abwechslungsreiche Panelanordnung wirken die Seiten aber nie eintönig. Dadurch ist die ganze Bildkomposition sehr geradlinig und einfach, aber trotzdem erstaunlich spannungsgeladen.

Bemerkenswert ist auch, dass er ähnlich wie Rosa in seinem Spätwerk teilweise überdurchschnittlich viele Panels pro Seite benutzt. Diese Beobachtung wird kurz darauf ad absurdum geführt, als Rota sich auf der bereits zehnten Seite der Geschichte gerade einmal vier grosse, durchgängige Panels (plus ein kleines) erlaubt. Hier tritt überdeutlich seine filmische Gestaltung in den Vordergrund. Zwischen zwei Bildern wird kaum ein Augenblick verschwendet. Rota weiss genau was er tut, wenn er die Seiten füllt, seine Gestaltung ist nicht willkürlich.

Nach der Einleitung schreitet die Geschichte nun langsam, aber stetig voran. Die fünf Ducks bereisen die ligurische Küste mit ihren kleinen Dörfern. Rota hat für diese Szenen genau recherchiert und war auch vor Ort. So sind die Landschaften, die in diesem längsten Teil des Comics zu sehen sind, keine Zufallsprodukte sondern authentische Abbildungen. Rota wurde dafür sogar zum Ehrenbürger der dortigen Stadt Varigotti.
Dann zieht ein Sturm auf. Damit beginnt der atemberaubendste Teil der Geschichte: die "Nacht des Sarazenen"!

Die Ducks werden quasi als unsichtbare Schatten zurück in die Zeit geschickt und erleben noch einmal die denkwürdige Nacht, in der eine Horde Piraten die Küste aufschreckt. Sie werden damit, wie der Leser, zu Beobachtern degradiert. Das erhöht die Intensität dieser langen Szenen noch. Der scheinbar so grausame Kopf der Bande, Jaha-Ibn-Donal, entdeckt im leeren Dorf ein Mädchen und seine Familie und wandelt sich zu dem, was sein logisches Gegenstück, nämlich Donald, schon ist: zwar etwas tollpatischig, aber mit dem Herz am rechten Fleck. Diese Seiten glühen vor Atmosphäre, die Sprache, die Figuren, die Hintergründe, die Umgebung, alles wirkt zusammen. Mit ungeahnter epischer Wucht geht diese Nacht zu Ende und weicht einem neuen Tag. In einem rührend ehrlichen und ruhigen Finale löst sich das Geheimnis auf. Zurück bleibt ein vor Donner gerührter Leser, ganz wörtlich, denn wie es anfängt, endet dieses Abenteuer mit einem Blitzschlag, der die Ducks zurück in die Realität holt, aber ungleich beschwingter.

"Was für eine Nacht! - Eine Nacht des Schreckens, ja. Die Elemente sind in Aufruhr, wie ich es noch nie erlebt habe. In einer Nacht wie dieser ist alles möglich."

aus TGDD 272, Januar 2010

Sandsturm über Entenhausen

2010-11-19T20:04:00.000+01:00

Ein plötzlicher Sturm fegt über Entenhausen. Micky bringt alles in Sicherheit, als ein heftiger Luftzug ihn im schalldichten Keller seiner Neffen einsperrt. Nachdem der Sturm sich wieder gelegt hat, kann er sich befreien. Doch nichts ist mehr, wie es war - plötzlich benehmen sich alle Entenhausener äusserst seltsam. Micky glaubt an eine Droge und versucht deren Ursprung in der Gelben Wüste zu suchen, von wo der Wind kam....bald entdeckt er den Verursacher des Chaos, aber da steht wieder viel mehr auf dem Spiel als die Aufklärung dieses mysteriösen Falles....

Auch neue Geschichten haben das Zeug zum Klassiker - das hat das Duo Mezzavilla/Mottura (mit Betonung auf "Mottura") eindrucksvoll bewiesen.

Die Spannung des Comics wird getragen vom Thema im Zentrum: ein Sturm hat Sand in die Stadt geweht und die Bewohner geistig umnachtet. Schnell merkt man als Leser, dass es hier nicht einfach um einen x-beliebigen Kriminalfall geht, wo mögliche Lösungen schon errochen werden können. Hier hängt etwas nicht greifbares in der Luft, es gibt absolut keine Erklärung für die Vorkommnisse. 20 bange Seiten lang wird man alleine gelassen, bekommt keine Informationen. Das macht "Suspense" aus, was schon Hitchcock beschrieben hat. Es ist die Abwesenheit von ausdrücklichen Bildern, wenn sich der Zuschauer, oder in diesem Fall der Leser, selber ausmalen muss, was passiert ist und passieren wird.
Natürlich hat Mezzavilla ein hervorragendes Skript geschaffen, aber erst in den Zeichnungen von Mottura wird die Atmosphäre auch greifbar, bekommen die unbestimmten Gefühle der Gefahr richtig zum Ausdruck. Hätte ein Künstler mit einem gänzlich anderen Stil diese Geschichte umgesetzt, wäre wohl nicht viel herausgekommen. Besonders intensiv ist schon die Eingangsszene. Sehr eindrücklich wird in wenigen, ausdrucksstarken Bildern der Sturm wiedergegeben. Dieses Gefühl kennt wohl jeder, wenn sich draussen die Bäume neigen. Man ist gebannt und erwartet etwas, irgendetwas, das kommen muss. Die ersten Seiten geben dieses Gefühl genau wieder und setzten den Leser erstmals unter Druck, die Spannung kommt in diesem Moment auf und das Künstler-Duo gibt sie nicht mehr aus den Händen.

Was natürlich auch zu der formidablen Leseerfahrung beiträgt, ist die Darstellung Mickys. Natürlich ist er der Held des Tages, aber allein schon die Tatsache, dass am Ende niemand von dem Unterfangen erfahren sollte, birgt keinen Lohn in sich - am aller wenigsten ein Bad in der Menge. Micky ist ernsthaft, aber nicht superseriös. Die längste Zeit weiss er selber nicht genau, was gespielt wird, und später ist er auch auf den Professor angewiesen. Er nimmt das Steuer nicht eigenmächtig in die Hand, sondern muss versuchen, mit den Situationen fertig zu werden, die man ihm aufzwingt, er kann nur versuchen, sie in die gewünschte Richtung zu drängen, sodass sich alles gut entwickelt. Auch hier kann man wieder auf Mottura bauen, der Micky angemessen in Szene setzt.

Aber irgendwann im Verlaufe der Handlung muss er aktiv werden, da er der einzig verbliebene Mensch in der ganzen Stadt ist, der klar denken kann. Er macht sich auf in die Wüste, ein Meer aus Sand, von wo der Sturm kam. Irgendwo in ihr verborgen liegt die Lösung des Unheils. Dabei entstehen Bilder von grossartiger Schönheit. Manche wirken, als wären sie nicht auf diesem Planeten möglich, und es schleicht sich ein episches Gefühl ein, wie Micky mit Gasmaske den unwirtlichen, stillen Ort durchstreift. Gerade das sind die Szenen, die man am längsten im Kopf behalten wird.
Die nächsten Seiten sind dann wieder redseliger. Bis fast zum Schluss bleibt allerdings nicht klar, ob sich eine Wirkung einstellt und überhaupt etwas getan werden kann. Es kommt zu einem versöhnlichen Ende, dass eine erlösende Wirkung hat und ein Lächeln auf die Lippen vor Glück zeichnen mag.

"Sandsturm über Entenhausen" besticht durch eine intensive, beeindruckende und spannungsgeladene Atmosphäre, die nicht zuletzt durch das fantastische Artwork von Paolo Mottura entsteht.

aus LTB Spezial 33, Oktober 2009

Alles Lug und Maskentrug

2010-10-28T18:39:00.000+02:00

Um Maestro Brülleti vom Verkauf seiner Oper zu überzeugen, soll Dagobert mit diesem eine Vorstellung besuchen. Eine scheinbar ideale Gelegenheit für Gundel Gaukeley, an den Zehner zu gelangen. In dessen Verlauf aber greifen auch die Panzerknacker ein und schliesslich ist da noch Moneysac, der ebenfalls Interesse an dem Opernhaus hat....

Auf den ersten Blick hat der leider zu früh verstorbene Daniel Branca genug getan, um seiner Reputation als wahrer Meister der Disney-Comics zu gelten. Auf den zweiten Blick tut er sich in einer Sache aber ähnlich schwer wie sein südamerikanischer Kumpan Vicar: da er als Zeichner, nicht jedoch als Einzelkünstler seine Duftmarken gesetzt hat, ist es entsprechend schwer, mit letzter Sicherheit die Highlights aus seinem Schaffen heraus zu picken. Sein unbestechliches Artwork und die grazile Dynamik in seinem Strich in Ehren, aber ohne eine erwähnenswerte Story macht auch das nicht genug her um dem Status eines Meiserwerkes gerecht zu werden. Und gerade im Bereich der vierreihigen Comics sind herausragende Plots naturgemäss etwas rarer gesät.

Das Zünglein an der Waage wird in diesem Fall von David Gerstein gespielt. Der Amerikaner war unter anderem jahrelang als Tuscher und Übersetzer für Gladstone tätig und gilt als absoluter Experte. Sein eigenes szenaristisches Werk ist klein, aber sehr fein (darin hat er Ähnlichkeit mit seinem Landsmann Don Rosa). Hier breitet er auf 12 Seiten ein Verwirrspiel aus, das kaum zu überbieten ist. Involviert sind nebst Dagobert sämtliche seiner ärgsten Feinde, inklusive eines zur Selbstüberschätzung neigenden Opernintendanten. Bei so vielen Mitstreitern kommen sich eine Menge Interessen in die Quere und es entfalten sich so einige Konflikte. Es ist zu köstlich, wie eines zum anderen kommt, ein virtuos dirigiertes Chaos sozusagen. Das Opernhaus ist dafür auch ein denkbar geeigneter Ort – auf kleinstem Raum stossen ungeheure Kräfte aufeinander. Das hinterlässt natürlich Spuren, vor allem auf den Lachfalten der Leser. Die Handlung ist sehr geradlinig und steuert immer wieder aufs Neue auf einen weiteren Höhepunkt zu.

Dabei kann Branca natürlich seine ganzes Können ausspielen. Viele einzelne Panels sind schon kleine Kunstwerke für sich, voller Leben und enorm dynamisch. Zusammen ergibt das einen flüssigen Verlauf, der garantiert nie Langeweile aufkommen lässt und nur so vor Komik strotzt. Die Kolorierung fügt sich harmonisch ein, sie ist vielfältig, aber auch geschmackvoll. Ein weiterer Pluspunkt ist gerade hier die Übersetzung von Peter Daibenzeiher – bestimmt ist auch der Originaltext Klasse, aber die Übersetzung ist in jedem Fall vortrefflich, gewählt und witzig, wunderbar in Brancas gebogene Sprechblasen gesetzt. Das alles ergibt ein äusserst homogenes und lesenswertes Gesamtbild.

aus TGDD 275, April 2010

Der versunkene Schatz

2010-09-26T09:21:00.000+02:00

Entenhausen, eine ganz normale Nacht....wirklich ganz normal? In einem zwielichtigen Tunnel liegt auf Unmengen von Geld gebettet Phantomias K.O. geschlagen. Panzerknacker ziehen ihm die Maske ab...und zum Vorschein kommt Klaas Klever!
Drei Tage zuvor blitzt Donald mit seinem Kumpel Willi bei Dagobert ab, nachdem sie Geld für die Ausbesserung ihres maroden Basketballplatzes in der Innenstadt verlangt haben, auf dem sie mit ihrer Jugendmannschaft trainieren. Doch Dagobert ist im Stress - schliesslich hat Klaas Klever behauptet, er wäre der reichste Mann der Welt. Gleichzeitig versucht dieser, seinem Gelübde gerecht zu werden, wenn auch mit unlauteren Mitteln...

Damals, das war im Jahre 2000, als diese Geschichte im italienischen Topolino erstveröffentlicht wurde, war es der erste Phantomias-Comic in diesem Format seit vier Jahren, und schon zuvor tauchte der Held nicht unbedingt oft auf. Dementsprechend wollte man auch ein durchdachtes Comeback auf die Beine stellen und hat mit Artibani genau den richtigen Autoren getroffen - auch was die grafische Interpretation angeht, klotzte man statt nur zu kleckern und rief Cavazzano.
Und wie es sich für so ein Comeback gehört, gab man Donald den Phantomias zurück, der ihm ursprünglich als einziges zugedacht war, den Helden, wie wir ihn sehen wollen: Phantomias, der Rächer!

Bereits auf den ersten beiden Einstiegsseiten wird vorgelegt - ein ganzseitiges Splahspanel und eine Vorblende mit höchst schockierendem Inhalt, dann geht es auf direktem Wege zurück in die Gegenwart. Das anfängliche Problem (das Basketballteam der Jungs) scheint wie so oft banal, verkompliziert sich aber bald schon mit dem Auftreten von Klever, dem klassischen Antagonisten, bis es sich aufgeblasen hat zu einer Tragödie mit elefantösen Ausmassen - so elefantös, dass es einem Phantomias bedarf, diesen Knoten zu entwirren.
Bezeichnenderweise taucht der Held erst nach über der Hälfte der verstrichenen Seiten in natura auf. Man lässt sich viel Zeit, den Plot mit all den beteiligten Charakteren und ihren höchst unterschiedlichen und entgegenlaufenden Interessen auszubreiten. Dann kommt der Moment: Donald verschwindet von der Bildfläche....und Phantomias betritt die Szene.

Das schöne an solchen Rächer-Geschichten auf der Ebene der Personen ist die eindeutige Überlegenheit von Phantomias. Obwohl er immer nur überraschend und für kurze Zeit auftaucht, hat er die Situation in Griff und lehrt seine Feinde das Fürchten. Das macht das Charisma seiner Persönlichkeit aus, Phantomias wird respektiert. Man hat das Gefühl, dass der Held über allem schwebt, er scheint zu wissen, was als nächstes geschieht. Das ist natürlich auch für Donald eine ganz besondere Position. Egal was sein Umfeld von ihm denkt, er ist ihnen durch sein Wissen und seine Macht als Phantomias immer einen Schritt voraus, und das macht ihn höchst geheimnisvoll. Donald fühlt sich nun auch als Donald unantastbar, weil er weiss, was er als Phantomias kann - das macht ihn selbstbewusster und das immer zur Freude der Leser, die mit ihm halten.
Es gibt einen kurzen Moment, als er von den Panzerknackern übertölpelt wird, aber da hilft ihm Donald's typisches Pech wieder heraus. Es ist so, Donald und Phantomias werden von ihrem Umfeld unterschiedlich wahrgenommen, aber letzten Endes kann Phantomias ohne Donald unmöglich überleben.

Neben der klassisch ausgearbeiteten Rächer-Thematik hat diese Story auf ihren 44 Seiten natürlich noch mehr zu bieten. Es gibt kaum eine Seite, auf der nicht irgendetwas Entscheidendes passiert. Die Geschichte ist immer im Fluss, behält ihr gutes Tempo. Das garantiert, dass die Spannung zu jedem Zeitpunkt aufrecht erhalten wird. Verschlungene Pfade werden betreten und zum Ende hin und schliesslich im grossen, unterirdischen Finale souverän gelöst. Die Action und der Witz sind integrale Bestandteile dieser Raffinesse.
Auch auf der visuellen Seite gibt es nichts zu meckern. Cavazzano leistet viel und illustriert jede Szene gebührend. Das ist ebenfalls eine Stärke des Comics: jede einzelne Sequenz ist eine in sich abgeschlossene Episode, die bereits einiges zu bieten hat und viele spannende Momente enthält. Diese Episoden werden dann nicht einfach Punkt für Punkt abgeklappert, sondern gekonnt zu einer Geschichte verwoben, die sich immer im Fluss befindet. Sie ist die Summe ihrer Einzeheiten gepaart mit dem Gesamteindruck.

In jedem Fall ist Der versunkene Schatz ein Paradebeispiel für eine durchdachte Geschichte, in die eine Menge Mühe eingeflossen ist und sie allein schon deswegen über all die durchschnittlichen Storys hebt.

aus LTB Spezial 36, Juli 2010

Der Held in einer anderen Welt

2010-09-19T17:28:00.000+02:00

Phantomias in voller Fahrt: des Nachts triumphiert er über einen ausgeklügelten Riesenroboter, mit dem es jemand auf die Bank abgesehen hat. Kurz darauf kommt er bei Düsentrieb in Kontakt mit dessen neuer Kreation. Bevor das Genie ihn warnen kann, saugt die Apparatur Phantomias ein....und spuckt ihn an einem anderen Ort wieder aus. Zunächst scheint alles normal zu sein. Angelockt vom Alarm der Bank erledigt er erneut den Riesenroboter vor den verdutzten Polizisten. Dass irgendetwas nicht stimmt, merkt Phantomias erst, als er zu Hause im Schlafzimmer Donald begegnet....

Den speziellen Reiz dieses Thrillers macht die Erweiterung des Horizonts aus. Die Akteure werden nicht auf einer Ebene festgehalten, sondern bekommen mehr Platz als sonst. Deswegen sprengt 'Der Held in einer anderen Welt' mühelos seinen künstlich eingeengten Rahmen und damit gleich das Bewusstsein des Lesers, der kaum noch merkt, dass er nur etwas liest.

Was Faraci eindeutig im Sinne hatte und den Plot legitimiert, sind das Aufeinanderstossen unserer Entenhausener auf ihre Äquivalente im Paralleluniversum. Es macht den Reiz der Geschichte aus, sorgt für immerwährende Aufmerksamkeit und knisternde Spannung zwischen den Figuren. Besonders hervorzuheben ist dadurch natürlich die Begegnung von Phantomias mit Donald - das Ich stösst auf sein alter ego, von dem er eigentlich gar nichts weiss, womit Phantomias wieder aus dem Schneider ist....sehr schön anzusehen, wie die beiden miteinander umgehen, denken und fühlen sie doch auf die genau gleiche Weise. In seiner Rolle als Phantomias nimmt Donald dennoch etwas mehr Raum ein, er wirkt selbstbewusster und erhabener und tritt quasi als Mentor von Donald auf. Dieser wiederum ist gesegnet mit einem gesunden Mass an Misstrauen und einem glücklichen Instinkt - beides hilft ihm, sich zu behaupten. Deswegen hält er gegenüber Phantomias anfangs Distanz, umgekehrt weiss dieser natürlich, wie der Hase läuft und kann sich von seiner besten Seite zeigen: da liegt auch mal ein Scherz drinne.

Es ist nur konsequent, dass Phantomias schlussendlich Donald überzeugt, ebenfalls in dessen Kostüm zu schlüpfen und über die unsichere Nacht des parallelen Entenhausens zu wachen.
Die Geschichte bleibt zu jedem Zeitpunkt unvorhersehbar - wenn schon auf den ersten Seiten so Unglaubliches zu sehen war, freut man sich diebisch, was für geschickte Winkelzüge noch auf einen warten mögen. Davon hält Faraci genügend bereit, um den Leser immer bei der Stange zu halten. Die Erzählung bleibt dabei stringent und direkt. Es ist schon sehr beachtenswert, wie er es schafft, auf vergleichsweise bescheidenen 34 Seiten einen komplexen Storybogen aufzubauen und elegant zu Ende zu führen. Cavazzano's übliche Meisterleistungen unterstützen die besondere Atmosphäre der Geschichte, der kaum jemand entgehen kann.

aus LTB Spezial 36, Juli 2010

Der Ruf des ewigen Eises

2010-08-29T19:09:00.000+02:00

Eine Hitzewelle schwappt über Entenhausen und giert mit ihren langen Greifern nach dem letzten Lebensmut im Hause Duck. Donald, dem dehydrieren nahe, meldet sich für einen kühlen Job: Eiswürfel wollen direkt aus Grönland nach Entenhausen importiert werden. Tick, Trick & Track wittern Gefahr und begleiten ihren tapsigen Onkel in die erfrischenden Eiswüsten des Nordens...

William van Horn ist eher weniger für lange Geschichten denn für witzige 10-Seiter bekannt. Dennoch hat der Kanadier sich auch an einige Comics im längeren Bereich gewagt, und das nicht selten mit hervorragendem Ergebniss.

Gerade eben weil er eher der Typ für Gagstorys ist, sind seine langen Comics genremässig zwar auch Abenteuergeschichten, aber mit einem etwas kruden Flair. Es geht nicht zwingend um Schätze, die gefunden und verteidigt werden müssen - ähnlich wie Barks in einigen Geschichten bevorzugt es van Horn, Donald und die Kinder alleine auf Reise zu schicken. Wenn Dagobert nicht dabei ist, ist auch die Motivation eine gänzlich andere. Statt ermüdenden Jagden nach Artefakten, bei denen die vier Ducks entweder im Hintergrund dahin vegetieren oder für dumm verkauft werden, erzählt van Horn lieber eine Story mit nahbaren Personen und ohne übertriebenen Gigantismus in Form von üblen Feinden, grossartigen Schätzen oder anderen Klischees.

Das bekommt man schon in der Einleitung auf den ersten drei Seiten zu spüren. Eine alltägliche Situation wie so oft, aber hier könnte man damit rechnen, dass es auch so bleibt. Auf den folgenden Seiten zeichnet sich ein ähnliches Bild ab: van Horn hat viel mehr Spass damit, abwechslungsreiche und spannende Szenen zu zeigen, anstatt den Plot voranzutreiben. So ist die Story auch etwas vorhersehbar, nicht besonders aussergewöhnlich. Der Weg ist das Ziel, weswegen man eine toll illustrierte Sequenz nach der anderen zu sehen bekommt. Diese Geschichte lebt fast ausschliesslich von ihrer Umsetzung, die auch wirklich gelungen ist. Deswegen muss man auch nicht unbedingt viele Worte verlieren, sondern sollte lieber die Bilder geniessen...

aus TGDD 279, Juli 2010

In der Gewalt des Schwarzen Phantoms

2010-08-24T19:07:00.000+02:00

Micky folgt der "Einladung für den Grossen Micky Maus" seines hauseigenen Fan-Clubs. Die festlich geschmückte Halle jedoch steht leer und schnell merkt Micky: das ist eine Falle des Phantoms! Er soll der Polizei eine Fehlinformation bezüglich der Übergabe eines äusserst wertvollen Computers zuspielen....ansonsten begiebt sich der nichtsahnende Goofy schneller in eine prekäre Situation als Micky lieb ist....

Das schwarze Phantom ist nicht sonderlich beliebt - weder in Entenhausen, noch in den Redaktionen dieser Welt. Das letzte mal trat das Phantom vor etwas mehr als einem Jahr auf, dort allerdings in einer dänischen (nicht besonders guten) Geschichte und zuvor in LTB 367 von Casty in Szene gesetzt. Verschwenderisch geht man mit dem hinterlistigen Bösewicht also nicht gerade um, umso unschöner, dass er wirklich Potential hat, das mindestens in Italien teilweise auch schon ausgeschöpft wurde. Und dieses Potential ruft Vitaliano hier eindrucksvoll ab.

Das Phantom ist einer der wenigen wirklich gefährlichen Gegner von Micky und im ganzen Personenarsenal überhaupt. Seine Tricks sind oft undurchschaubar und bringen die Opfer in scheinbar auswegslose Situationen. Das steht natürlich ganz im Gegensatz zu Karlo oder anderen, etwas trotteligen Bösewichten, denen Micky im Prinzip vorallem nachzulaufen braucht, um sie irgendwann zu schnappen. Dem Phantom muss er aber unbedingt zuvorkommen und zwar bevor es zu spät ist. Ihr Kampf ist viel mehr vergleichbar mit einem Schachspiel. Und eins steht ebenfalls fest: das Phantom lässt sich nie schnappen. Es bleibt also für immer eine Bedrohung und ist, weil es eben kaum greifbar erscheint, eine echte Gefahr. Ein klassisches Superhirn, dass die Situation immer unter Kontrolle hat, auf seinen genialen Plan zurückgreifen kann und kaum Fehler macht.

Aus diesem Grund ist diese Geschichte so spannend. Der Titel nimmt natürlich schon einiges vorweg, aber auch die ersten Seiten, in denen Micky und Goofy noch unwissend sind, werden schön erzählt. Aber schliesslich schätzt Vitaliano die Intelligenz seines Publikums und lässt Micky doch noch frühzeitig erkennen, was gespielt wird.
Richtig interessant wird es auf den kommenden Seiten. Tendentiell ist das Phantom eher ein Schatten, der mit undurchsichtigen Absichten scheinbar wahllos auf das Finale seines Planes zusteuert, während die andere Seite meist im Dunkeln tappt.
In diesem Fall zeugt die Spannung genau aus dem Gegenteil. Das Phantom erklärt Micky haarklein, was er getan hat, und was passieren wird, wenn er nicht bekommt, was er möchte. Das ist raffiniert, scheinbar unmöglich zu lösen und für einen Disney-Comic schon fast pervers. Hier schweben die Charaktere in wirklicher Gefahr und wir müssen einem teils hiflosen Micky zusehen, wie er verzweifelt versucht, sich zu befreien. Der Konflikt zwischen dem Phantom und Micky und auch in Micky selbst brodelt gewaltig. Die Gestaltung ist vielfältig und bezeichnenderweise gelingt es schlussendlich auch nur mit viel Hilfe von anderer Seite.

Besondere Aufmerksamkeiten verdient das Artwork von Lorenzo Pastrovicchio. Die Mäuse liegen ihm, das ist eindeutig erkennbar. Die zeichnerische Gestaltung ist abwechslungsreich und intensiv, mit vielen sich abwechselnden und einzigartigen Settings. Dazu trägt auch die eindrucksvolle Kolorierung bei, die sich von den gewöhnlichen, etwas blasseren Geschichten deutlich abhebt. Pastrovicchio pflegt einen eigenen, wundervollen dynamischen Stil.

In der Gewalt des Schwarzen Phantoms ist ein perfider, intelligenter Thriller mit interessanter und symphatischer Besetzung, der auch einiges für's Auge bietet. Man muss schon aufpassen, um die Auflösung zu 100 % mitzukriegen, allein deswegen lohnt sich ein zweiter Blick.

aus LTB 405, Juli 2010

Habakuks Rübchen

2010-08-22T19:21:00.002+02:00

Donald bekommt Besuch von einem exzentrischen Milliardär. Er bittet ihn, Phantomias einzuschalten, denn in der Umgebung seiner Villa am Rubinkogel ausserhalb der Stadt vernimmt er seit einiger Zeit immer wieder bestialischen Lärm. So sieht sich Phantomias des Nachts in der abgelegenen Gegend um....auf den ersten Blick scheint alles in Ordnung zu sein. Dann aber wird er bei der Observierung einer alten Baustelle unverhofft von einem riesigen Monster attackiert - und bis zum nächsten Morgen vom mürrischen Einsiedler Habakuk aufgepäppelt....die Neugier des Helden ist geweckt!

Den Namen Bruno Enna vernimmt man eher selten im LTB, kein Wunder, hat er doch nicht allzuviele Geschichten geschrieben, und wenn, dann meist eher 'unkompatible' Abenteuer mit Donny Duck. Und auch Andrea Freccero zeichnet eher wenige Geschichten (dafür umso mehr Cover für's LTB). Mit diesem wendungsreichen Phantomias-Thriller haben beide eine deutliche Empfehlung für ihr Können abgegeben.

Als erstes sind die auffälligen Zeichnungen zu nennen. Das gesamte Artwork fällt sofort ins Auge, und es ist gut. Nicht nur pflegt Freccero seinen eigenen, beinahe unverwechselbaren Stil; er zeichnet auch so dynamisch, dass es eine Freude ist, immer wieder durch die Seiten zu schmökern. Besonders schön sind in jedem Fall die Nachtszenen, wozu die hervorragende Kolorierung einen nicht unwichtigen Teil beiträgt.

Aber auch inhaltlich wird hier einiges geboten. Enna hantiert nämlich mit einer Vielzahl von Themen: da wäre an erster Stelle Habakuk, der Einsiedler und dessen eigenbrötlerisches Verhalten. Damit eckt er bei Phantomias immer wieder an, ob er nun auf den Held oder dessen unheimliches weil fliegendes Gefährt zielt. Umgekehrt ist Habakuk für Phantomias aber keine Bedrohung, sondern eher ein lästiges Hinderniss, dass er mit der nötigen Cleverness zu umgehen vermag. Deswegen ist Habakuk aber noch lange keine Witzfigur, auch ihn versieht Enna mit dem nötigen Respekt. Er ist durchaus symphatisch, nur reagiert er ab und zu über. Das macht ihn vergleichbar mit Dagobert, der bei den meisten Lesern ebenfalls eine ausgesprochen hohe Symphatie geniesst, obwohl er auf den ersten Blick ein Unmensch ist. Richtig interessant wird seine Figur, wenn wir merken, dass irgendetwas nicht mit ihm stimmt, dass er etwas verbirgt. Einerseits schwebt er über den Ereignissen und braucht sich gar nicht gross um die anderen Personen zu kümmern, andererseits ist er auch der Schlüssel zum Rätsel.

Die Story wäre aber nicht so interessant, wenn nicht auch noch die anderen Parteien eingreifen würden. Das beeindruckende Monster, dessen Mächtigkeit man durch die Seiten zu spüren bekommt (und das man so selten in einem Disney-Comic sieht) - einmal wird vor der Auflösung ein kleiner Hinweis eingestreut, aber immerhin so geschickt, dass man nicht unbedingt gleich daraufkommt, sondern viel eher gebannt weiterliest und schnell wieder vergisst. Oder der eigentliche Schurke, der glücklicherweise keinesfalls dem typischen Schema 'böse über alles' entspricht sondern einfach aalglatt und damit viel gefährlicher ist. Dann dessen drei Gehilfen, die spanischen Norweger, die für die wirklich gelungenen Lachnummern sorgen. Düsentrieb, der Phantomias aus der Ferne zu Hilfe eilt. Und eben unser Held höchstpersönlich.

Auch dessen Darstellung ist gelungen. Er ist keineswegs übermächtig, hat Mühe mit Habakuk und den Gleislegern und wird vom Monster überrumpelt. Dafür besitzt er die nötige Coolness und findet dann doch einen Weg aus der Lage. Wenn Phantomias schon nicht der Rächer sein darf, dann muss er wie hier auftreten, um wirklich überzeugend zu sein.

Habakuks Rübchen ist mehr als die Summe seiner Teile, die schon für sich alleine genommen herrlich anzusehen sind. Sehr geschickt wird eine Vielzahl von Themen zu einer Geschichte verwoben, bei der man sich nie sicher sein kann, was die nächste Seite bringt, und die deswegen immer spannend bleibt. Gepaart mit abwechslungsreichen Szenen und dem hervorragenden Artwork ergibt das eine italienische Duck-Story wie es heute nur wenige gibt und wie man sie sich immer wieder ansehen mag.

aus LTB 405, Juli 2010

Maulwurf in Nöten

2010-08-06T17:05:00.000+02:00

Eine Bar, irgendwo in Entenhausen. Die Unterwelt versammelt sich beim Limonade trinken, würfeln....und Pläne schmieden. Rick, der Neue, muss erst das Vertrauen seiner Kumpanen gewinnen. In der Dunkeleit kehrt er in ein Motel ein, öffnet sein Zimmer, als plötzlich das Licht angeht. Micky Maus und Inspektor Issel haben ihn schon erwartet - aber Rick entledigt sich nur seines Umhanges, reisst den Schnauz ab und klärt als Steinbeiss mit seinen Kollegen ab, wie die Bande hochgenommen werden soll...

Aber das ist erst der Anfang einer Reihe von Verwicklungen, welche von Tito Faraci erdacht und Giorgio Cavazzano gezeichnet, bis in die Kindheit von Steinbeiss vordringen. Auf 31 Seiten breitet das erprobte Duo (zu dem Zeitpunkt mindestens ihre 17. Zusammenarbeit) ein durchdachtes Geflecht aus Lügen, Täuschung und einem wiedererlangten Bewusstsein aus.

Man hat bei Ehapa die Tendenz, Micky für nicht allzu salonfähig zu halten. So verwundert es nicht, dass vergleichsweise viele Geschichten aus dem Mausuniversum, die dann auch im LTB veröffentlicht werden, ohne oder fast ohne den eigentlichen Lokalmatador auskommen. Das soll aber des Lesers Schaden nicht sein. Denn oft zeigen genau diese Geschichten neue Perspektiven auf und entfernen sich etwas von den ausgetrampelten Pfaden. Und so hochkarätige Autoren wie Faraci verstehen ihren Job natürlich.
So auch hier: der titelgebende Maulwurf in Nöten ist keinesfalls Micky, sondern der knallharte Cop Steinbeiss. Wobei 'knallhart' es auch nicht mehr ganz trifft. Bei seinem legendären ersten Auftritt (Komissar Issels lange Nacht) sprang er noch mit seinem Wagen direkt in ein Juweliergeschäft, das von Karlo ausgeraubt wurde und brachte sogar das Phantom zum Zittern. Inzwischen ist es ein wenig ruhiger um seine Persönlichkeit geworden – Steinbeiss hat sich aklimmatisiert und in der Entenhausener Polizei zurecht gefunden. Im schlimmsten Fall macht er sich mehrheitlich zur Witzfigur, im besten Fall, wie hier, zeigt er erstaunliche Facetten.

Dabei geht es vornehmlich um seine Verwandtschaft. Seine durchaus liebenswürdige, aber trottelige Familie hatte nämlich einiges auf dem Kerbholz: der Vater druckte 12-Dollar-Noten mit dem Abbild von 'Präsident Edison', die Brüder waren dem Vieh zugeneigt und Grossvater hatte es wohl auf Postkutschen abgesehen – damals Mode, wie Steinbeiss seine Verwandten verteidigen möchte. Zu etwas gebracht haben sie es alle nicht, weswegen sich Micky und Issel auch gerne über den armen Ermittler lustig machen. Als einziger in der Familie wusste Klein-Steinbeiss nämlich genau, was er wollte – Polizist werden, schon von klein an...

Das Dilemma ist nun offensichtlich: als Maulwurf soll Steinbeiss – pardon, Rick – nicht nur in die Pläne der Bande eingeweiht werden, sondern beim Bruch gleich direkt dabei sein, wenn dann Issel, Micky und die Verstärkung schlussendlich antraben. Er wird damit gezwungen, kriminell aktiv zu werden, was er immer vermeiden wollte – selbst wenn es zum Job als Ermittler gehört. Bereits vor dem Einsatz hat er Albträume. Aber es kommt noch dicker. Durch einen schusseligen Kumpanen und einen fatalen Sturz mit Schlag auf den Hinterkopf entledigt er sich eines Teils seines Gedächtnisses. Damit vergisst er, dass er bei der Polizei ist, meint, er sei ein echter Verbrecher geworden und bedauert es. Er wollte doch als Einziger in der Familie ehrlich bleiben...

Fortan folgen noch weitere drei Schläge auf seinen und andere Köpfe und ein hinterhältiger Verrat, die zwischendurch für einige Verwirrung sorgen.

Der grosse Verdienst von Faraci ist nicht nur, dass er der Figur von Steinbeiss auf den Zahn fühlt, sondern gleichzeitig eine wunderbar aufgebaute Geschichte erzählt. Die vielen Schläge auf den Kopf mögen zwar abgedroschen klingen, aber letztlich sind sie notwendig um den Plot voranzutreiben. In der ersten Hälfte der Geschichte geht es vornehmlich noch um die Vorarbeit zum Bankraub. Steinbeiss besucht als Rick verkleidet eine Bar und ist dabei, als die Bande im Hinterzimmer ihre Pläne schmiedet. Dabei kommt auch wieder der 'alte Steinbeiss' zum Vorschein. Beim Eintreten bemerkt er, wie die Männer an der Bar Milch und Limonade bestellen und wendet sich kopfschüttelnd ab. "Pfah! Früher war eine Bar noch eine Bar! Aber heute?" kommt es da aus seinem Mund. Später dann warten Micky und Issel in seinem Hotelzimmer, wo er sich mit ihnen unterhält. Er äussert seine Bedenken, aber ihr ursprünglicher Plan wird schliesslich nicht verändert.

Dann geht es auch schon in den Untergrund, wo Rick sein Gedächtnis zum ersten mal verliert und vor lauter Traurigkeit gar nicht mehr erwähnt, dass er Steinbeiss heisst. Es braucht einige Anläufe, bis dann alle vor der Tresortüre stehen und der Chef der Bande munter den Code eintippt, den er von seinem Informanten hat.
Das alles passiert so cool, wie man es sonst nur aus Filmen kennt - oder bei Disney-Comics eben von Tito Faraci. Seitenlang sehen wir den Figuren bei ihrem Treiben zu, auch ohne dass sie sich in akuter Gefahr befinden oder Actionszenen dominieren. Das ist wohltuend abwechslungsreich, herrlich unvorhersehbar und alles andere als langweilig.

Denn schliesslich spitzt sich alles auf die raschen Handlungen im zweiten Teil der Geschichte zu. Die Bande ist spielend in den Tresor gekommen und überlegt sich in aller Seelenruhe, wie man jetzt weitermacht. Allzu viel sei nicht verraten, nur das: zwei Wachmänner betreten die Szene und stellen die Bande. Das bedeutet aber lange noch nicht das Ende der Story. Faraci spielt geschickt mit den Erwartungen der Leser. Man kann sich nicht einmal bis kurz vor Schluss sicher sein, wie es jetzt ausgehen wird, weil sich die Situation von Seite zu Seite quasi 'schlagartig' verändert.

Aber nicht nur der raffinierte, unvorhersehbare Plot überzeugt. Man merkt, dass es Faraci nicht ausschliesslich um einen Polizeithriller geht, sondern auch um ein Porträt der ganzen Szenerie. Das äussert sich in überdurchschnittlich vielen stillen Panels, die von Cavazzano nahezu poetisch inszeniert wurden. Es gibt da die zielstrebige, aber erfolglose Bande, die abgeklärten Ermittler, den verunsicherten Maulwurf...aber schliesslich wendet sich alles zu einem befriedigenden Ende. Das ist die Leichtigkeit des Seins. Es wird durchaus klar, das Steinbeiss unglücklich ist, er hat Albträume. Aber auch das ist nie zu ernsthaft. Zuerst findet er sich damit ab, dass auch er kriminell geworden ist, später lernt er, dass er sich um seine Verwandtschaft und sich selber keine Sorgen machen muss. Es kommt heraus, dass seine Freunde bei der Polizei die ganze Aktion sorgfältig geplant hatten und Steinbeiss sich gar nicht Sorgen um seine 'kriminelle Ader' machen musste, weil das Geld im Tresor als Vorsichtsmassnahme nicht echt war. Und dann heisst es abschliessend:

"Jeder ist eben seines Glückes Schmied!" - "Stimmt! Davon kann meine Familie ein Liedchen singen!"

aus LTB 404, Juli 2010

Der grosse Goofunga

2010-08-06T16:16:00.000+02:00

Micky und Goofy am Strand. Mit dem alten Detektor seines Onkels Goofram sucht Goofy nach Schätzen. Dann aber stossen sie an einer einsamen Stelle auf ein gestrandetes Schiff, das noch niemand bemerkt hat. Was sie vorfinden, ist Chaos und Verwüstung....und ein metergrosses Loch in der Bordwand. Fussspuren im feuchten Sand führen weg vom Schiff. Micky traut seinen Augen nicht, als er den zwischenzeitlich verschwundenen Goofy in den Armen eines riesigen, zweibeinigen Wesens vorfindet...

Dies ist wohl nicht die beste Geschichte von Casty – und den Kritiken entsprechend, die man über eine Menge auf Deutsch noch nicht veröffentlichter Werke vernommen hat, gehört sie noch nicht einmal zu seinen grössten Meisterstücken. Dennoch sorgt sein Name schon im Vorfeld für einen Hype, den ansonsten kein italienischer Künstler auszulösen vermag. Das spricht natürlich unbedingt für Casty, und so ist auch seine Parodie auf den grossen King Kong ein Stück für sich selbst, welches sich nahtlos in eine Reihe von Meisterwerke einreiht.
Bereits die ersten Seiten erschaffen geschickt eine Atmosphäre des Geheimnisvollen und Rätselhaften. Das verlassene, zerstörte Riesenschiff, das am Strand liegt ist ein einzigartiges Setting. Wundervoll anzusehen, mächtig und verheissungsvoll...einige Zeit später kehrt die Handlung wieder kurz zu diesem Ort zurück, dann allerdings bei Nacht, wenn ein heller Halbmond das ruhige Meer beleuchtet. Ganz allgemein sind sämtliche Schauplätze einzigartig und unverwechselbar. Während man in den meisten Geschichten ganz gewöhnliche Orte zu sehen bekommt, vom Design her austauschbar, zeichnet Casty wundervolle Hintergründe, die die Handlung mitbestimmen, die im Gedächtnis haften bleiben. Auf einzigartige Weise bereichern sie das Artwork. Sie wirken wie zufällig ausgewählt, aber werden immer von mehr als einer Seite beleuchtet.

Beispiele zu den vielfältigen Settings gibt es einige. Rudi's Werkstatt, ein baufälliger Hangar mit allerlei Gerümpel, umgeben von wild wachsendem Gras, umzäunt von einem hohen Lattenzaun. Hier verbringt Goofunga seine ersten Stunden in Entenhausen, versteckt von Micky und Goofy, bis ihre vorübergehende Tarnung auffliegt und sie fliehen müssen. Die Strasse vor der Werkstatt ist dann auch nicht einfach eben, sie verläuft abwärts an einem Hang – hier gibt es nur eine logische Richtung für die Flucht.
An der Mole beim Hafen sieht man schon lange vor der Ankunft das Meer im Hintergrund liegen, das sich weit bis zum Horizont erstreckt. Es liegt einige Momente ruhig da, bis es von heftigen Strudeln zerrüttet wird, verursacht vom grossen Goofunga. Die spiegelglatte See war zuvor quasi die Ruhe vor dem Sturm, bis die nächste Etappe der Flucht anbricht.

Auf seiner Heimatinsel im Südpazifik steuert er zunächst wieder einen Strand an. Wie stille Wächter und Mahnmale stehen dort grosse Steinstatuen seiner selbst, die nicht nur zufälligerweise an die Osterinseln erinnern. Eine mystische Grundstimmung ist damit gegeben. Besonders schön anzusehen ist natürlich die üppige und abwechslungsreiche Vegetation auf der Insel, in Kombination mit ihren steil aufragenden, spitzen Bergkuppen. Traumhaft schön ist das Labor, an dem sehr deutlich der Zahn der Zeit genagt hat.
Und zu guter letzt kehren wir wieder zum Strand zurück, wo sich die alles entscheidenden Handlungen abspielen.

Zu Beginn der Geschichte wird natürlich noch mit dem Geheimnis gespielt – warum ist dieses Schiff hier gestrandet? Was war an Bord? Und was ist mit der Mannschaft passiert? Das löst sich dann allerdings sehr schnell auf. Schon nach wenigen Seiten tritt Goofunga erstmals in voller Grösse in Erscheinung, und kurz darauf taucht auch die Filmcrew auf. Schnell merkt man auch, dass es Casty gar nicht um diese anfangs gestellten Fragen geht. Die Haupthandlung kreist ausschliesslich um Goofungas Herkunft und damit auch um seine Vergangenheit, nämlich die Vergangenheit auf der Insel.

Hier kommen dann die Paralellen zu King Kong zu Tage. Ganz offensichtlich ist Goofunga das Riesenmonster, das ist von Anfang an klar. Die Insel, die zwar weitestgehend friedlich ist, aber mit ihren aufragenden Bergen doch auch Bedrohung ausstrahlt ist das namenlose Pendant zu Skull Island. Sogar die Mauer gibt es, mit der die eingeborenen Ungmäen sich vor dem wilden Teil der Insel schützen, die 'Mauer der Merkwürdigkeiten'.

Besonders interessant ist aber eine andere Sache: wenn man davon ausgeht, dass die Filmcrew wie in der Geschichte dargestellt mit Goofunga im Laderaum Land angesteuert hat, muss sie also schon einmal auf der Insel gewesen sein und auf irgendeine Art den Riesen gefangen haben. Man könnte sagen, dass Castys Geschichte den Faden von King Kong aufnimmt und weiterspinnt – sieht man einmal vom Teil in New York mit Kong auf dem Empire State Building ab...auf jeden Fall ist es aber ein Gegenentwurf. So ist die Auflösung auch eine ganz andere als im Film und Der grosse Goofunga auch keine astreine Parodie auf das berühmteste Monster der Filmgeschichte. Es wird lediglich mit einigen Motiven aus dem Original gespielt, und diese werden regelkonform in einen Disney-Comic übertragen.

Bemerkenswert ist, wie Casty mit Kater Karlo und Goofy umgeht, die bei den veränderten Umständen auch eine etwas andere Rolle auszufüllen haben als gewöhnlich. Karlo ist für einmal nicht der Hauptschurke – das ist auch gut so – sondern nur der Handlanger. Der eigentliche Antagonist, der Regisseur, bleibt aber nicht besonders gefährlich. Er ist nicht durch und durch schlecht. In dieser Situation könnte Karlo das Ruder übernehmen, stattdessen resigniert er. Man könnte das als Schwäche ankreiden, allerdings werden damit neue Pfade markiert und sowieso liegt das Hauptaugenmerk nicht auf dem Konflikt zwischen den beiden Parteien, die um Goofunga streiten (auch da ein Unterschied zu King Kong, wo es sehr wohl darum geht, wer den Affen bekommt. Dort hat Kong aber auch schlichtweg keine erwähneswerte Vergangenheit.).
Bei Goofy kommt wieder einer seiner unzähligen eigenbrötlerischen Verwandten ins Spiel. Während Micky zwar die entscheidende Spur zur Lösung des Rätsels findet, hält er seine Beobachtungen aber nicht weiter für wichtig. Stattdessen konzentriert er sich schon beinahe verzweifelt darauf, seine Gegner aufzuhalten. In dieser Situation beweist Goofy einen kühlen Kopf und den richtigen Riecher und wird so zum Held des Tages.

Eine amüsante Anspielung sind übrigens die Experimente mit dem veränderten Gemüse. Da kann man durchaus Schlüsse zu Barks' Kohldampfinsel ziehen...

Dieses 'Meisterwerk' ist zwar kein Paradebeispiel für einen spannungsgeladenen Thriller, punktet aber mit der Summe seiner Teile die da wären: spannungsreich designte Settings, Anspielungen auf den grossen Kong, ungewöhnliche Personenkonstelationen, leisen Witz und einen rätselhaften Riesen, dessen Wurzeln es aufzuspüren gilt. Zum Schluss kommt eins zum anderen, versüsst durch Casty's liebevolle Interpretation von Scarpa's frühem Zeichenstil.

Alles in allem ist der Mann ein Phänomen. Seine Neigung zu Mysterien und Sci-Fi ist unheimlich bereichernd.

aus LTB 404, Juli 2010

Traumpaar in Gefahr

2010-08-06T16:02:00.000+02:00

Als echte Frau von Welt weiss Daisy selbstverständlich alles vom "Traumpaar von Millionen", den Schauspielern Pit und Angie mit ihren neun Kindern. Deswegen macht sie auch am überfüllten Strand von Kokos Nusso Urlaub, wo das Traumpaar in der Nähe in einer Villa leben soll. Ausgerechnet Donald, den das Theater sowieso total kalt lässt, verschlägt es schnarchend auf einem Gummiboot direkt vor die abgelegene Villa mit Meerblick. Bald muss er sich nicht nur mit den beiden, sondern auch mit einer Bande falscher Fotografen und einer Horde hungriger Teufelsquallen auseinandersetzten...

Gerade das MM-M ist nicht für den Abdruck glanzvoller Comic-Werke in Massen bekannt, aber mit der Erstveröffentlichung von Storys aus der Feder von immer noch aktiven Einzelkünstlern wie Rota oder van Horn (oder bis vor kurzem Don Rosa) gelingt die eine oder andere Perle. So auch hier, bei diesem höchst unterhaltsamen 12-Seiter, den Rota ausnahmsweise mal in Auftragsarbeit erledigt hat. Die Story stammt von dem Briten Paul Halas.

Die grosse Kunst dieser Geschichte besteht darin, Donald in seiner Lieblingsrolle agieren zu lassen: obwohl vollkommen uninteressiert und unschuldig gerät er in eine Situation, die er zwar mit kühlem Kopf, aber eigentlich total unbewusst meistert. Das sorgt immer wieder für Erheiterung und wird gleich zu Anfang mehrmals bildlich demonstriert: während Daisy (typisch als gedankenlose Konsumentin der Massenunterhaltung) ihren Freund rügt, fällt diesem ein Wasserball von irgendwoher auf den Kopf - und Donald watschelt mit betretener Miene unbekümmert weiter.
Im weiteren Verlauf der Handlung begegnet er dem besagten Traumpaar, dass natürlich als ruhmgeil und in Angesicht einer echten Gefahr total hilflos charakterisiert wird. Kritik dieser Art ist man sich gewohnt aus Comics, die eigentlich noch zum Disney-Konzern gehören, und das ist so schlecht nicht. Der Übersetzer mag bei der Namensgebung an Brangelina gedacht haben, wobei gerade Pit überhaupt nicht seinem vermeintlichen Vorbild Brad Pitt ähnlich sieht, das lag vermutlich nicht in der Intention von Halas oder Rota. Letztendlich ist das vollkommen egal, da es sich bloss um zwei austauschbare Promis handelt, die dem Antrieb der Geschichte, wie auch immer sie heissen mögen, vortrefflich dienen.

Rota, der dieses Jahr seinen 68. Geburtstag feiert, setzt seine Ducks so dynamisch in Szene wie eh und je. Auch auf diesen 12. Seiten kann man einige typische Stilmittel erkennen, die sein Artwork unverwechselbar machen - detailreiche Panoramen auf der ersten Seite, farblich hervorgehobene Beleuchtung (wenn hier auch nur in einem Panel), wohlpropotionierte Frauenkörper und eine fast schon filmisch anmutende Darstellung - man beachte, dass die Panels auf der zweiten Seite fast alle aus gespiegelten Blickwinkeln gezeichnet wurden.
All diese Faktoren, gepaart mit einem Reichtum an unterschiedlichen Perspektiven, ergeben ein grafisch einwandfreies Gesamtbild.

Ganz besonderes Lob verdienen die textlichen Qualitäten. Das ein oder andere Bild aus der Geschichte mit ihren lyrischen Anwandlungen und erinnerungswürdigen Sentenzen ziert auch diesen Text...

Zum Schluss möchte ich noch auf das Ende zu sprechen kommen. Der zweieinhalb-seitigen Verfolgunsjagd kommt nicht nur Rota's oben erwähntes Talent für dynamische Sequenzen zu Gute, sondern auch wieder Donalds unverblühmte Ehrlichkeit. Er ist zwar nicht Herr der Lage, tut aber instinktiv genau das Richtige und kann damit alles zum Guten wenden. Selbst im Angesicht zweier von den Medien geschaffener Stars bleibt er unbeeindruckt, schliesslich interessiert er sich mit seinem gesunden Verstand keineswegs für die beiden.
Die letzte Szene bietet dann aber doch einigen Interpretations-Spielraum - Reporter stürmen in das Wohnzimmer von Donald und Daisy, um Donald über seine Bekanntschaft zum "Traumpaar von Millionen" zu befragen. Dieser sagt nichts, aber Daisy fasst die Situation aus ihrer Sicht in Worten auf - dank Donald sind nun auch sie berühmt. Sie küsst Donald und dieser lächelt. Weil er auch berühmt ist, oder schlicht weil sie ihn küsst? Bei Halas wäre beides möglich, aber Rota's romantische Ader spricht eindeutig für die schönere Variante...

aus Micky-Maus-Magazin 28, Juli 2010